Un viaggio in Taxi per Teheran

Un giorno qualsiasi per le strade di Teheran in un taxi guidato dal regista Jafar Panahi, il quale percorre le strade vivaci della città in compagnia di (più o meno strambi) passeggeri che finiscono per discutere dei problemi della società iraniana o semplicemente confidarsi con lui.

Ma sono semplici personaggi o persone comuni ignare di essere all’interno di un film? In diversi momenti del film, infatti, lo spettatore si trova spiazzato e si interroga sulla completa veridicità di quelle immagini ora comiche ora drammatiche ma anche delle parole di quei passeggeri tanto particolari e ognuno con un proprio vissuto alle spalle.

A parte la spigliata nipotina Hana e l’avvocatessa Nasrin Sotoudeh specializzata in diritti civili, tutti i passeggeri sono attori non professionisti rimasti anonimi, infatti nel film non sono presenti i titoli di coda appunto per motivi di sicurezza.

In maniera del tutto paradossale il regista tratteggia il ritratto della società iraniana di oggi, regalando un film atipico, che certamente lo spettatore comune fa fatica ad accettare vista anche la staticità delle inquadrature fornite per la maggior parte del tempo dalla telecamera fissa sul cruscotto.

Taxi Teheran, a cui è stato conferito l’Orso d’oro a Berlino 2015, è in realtà un film illegale in patria, ma che diventa sinonimo perfetto di specchio sociologico. Il regime iraniano, infatti, ha proibito al regista Panahi non solo di lasciare il suo paese, ma lo ha anche condannato a non poter realizzare qualsiasi genere di film o sceneggiature o rilasciare interviste per 20 anni, pena la detenzione in carcere per sei anni. Eccolo allora sfidare questo divieto e ingegnarsi, inventandosi questo nuovo modo di fare cinema clandestinamente.

La sua pellicola trasuda arte e parla di cinema proprio attraverso la finzione, ma allo stesso tempo è anche un mezzo sociologico per far conoscere meglio un paese ricco di contraddizioni come l’Iran, che si sta trasformando gradualmente nonostante proibizioni e censura.

Giffoni Experience #1

Dal 17 al 26 luglio 2015 ha avuto luogo la 45ᵃ edizione del Giffoni Film Festival dal tema “Carpe Diem”, in cui 3.600 giurati provenienti da circa 50 Paesi di tutto il mondo, ovvero il cuore e l’anima di questo festival, sono stati chiamati a giudicare ben 98 film.
Personalmente ho avuto la fortuna di vederne solo tre e se gli altri che ho perso erano all’altezza di quelli che ho visto, sono davvero dispiaciuta di non aver avuto la possibilità di sedermi di nuovo in sala e godermi lo spettacolo.
L’unico mio più grande rammarico sarebbe scoprire che i cortometraggi, documentari o lungometraggi presentati non vengano poi distribuiti in sala o almeno nelle scuole, perché la vera ricompensa per queste pellicole sarebbe proprio farle arrivare al cuore di tutti e non solo di chi aveva la possibilità di essere a Giffoni.
Di seguito la recensione dei film visti nelle categorie Elements +10, Generator +13 e Generator +16.

Si resta sospesi tra fantasia e realtà nella sezione ELEMENTS +10. Labyrinthus (Belgio, 2014) è il primo lungometraggio da regista di Douglas Boswell, che ha già diretto episodi di diverse serie televisive e alcuni cortometraggi.

Il film, già presentato al Festival di Toronto 2015, si focalizza su come realtà e mondo virtuale si incontrano e si scontrano. Frikke (un talentuoso Spencer Bogaert), un ragazzo di quattordici anni, conosce molto bene l’universo dei videogiochi, ma un giorno ne trova uno davvero strano, in cui i protagonisti sono dei ragazzi e animali in carne e ossa, le cui esistenze e i cui corpi, caricati da una particolare macchina fotografica, sono stati trasportati in un labirinto virtuale.

Non appena inizia il gioco, infatti, Frikke incontra Nola (Emma Verlinden), una ragazzina intrappolata che non ricorda più chi è e che rischia di essere uccisa dal cattivo del videogame se lui abbandonerà o perderà il gioco.
In una frenetica e concitata corsa contro il tempo, Nola riceverà altra compagnia come il migliore amico di Frikke, Marko e un’altra ragazzina. Frikke cercherà di salvarli trovando la via d’uscita dal labirinto, ma allo tempo stesso dovrà trovare il malvagio creatore del terribile videogame in modo da evitare che nessun altro possa essere trasportato in quella trappola infernale.
La computer grafica che è riuscita a dare forma allo spettacolare mondo di fantasia del videogioco è davvero molto curata, ma anche la fotografia e gli esterni sono davvero belli. Una storia perfetta per bambini di età compresa fra i 9 e i 13 anni ma amabile anche per un pubblico più adulto, perché la storia è molto ben scritta e ricca di umorismo, avventura e tensione al punto giusto.
Labyrinthus si è aggiudicato il primo premio nella sezione ELEMENTS +10.

La sezione GENERATOR +13 segue un filo conduttore tra musica, sogni adolescenziali, sentimenti e temi molto più delicati tipo l’elaborazione del lutto proprio come in You're Ugly Too (Irlanda, 2014) di Mark Noonan, che è al suo primo lungometraggio di finzione (già presentato al Festival di Berlino 2015 nella sezione Generation Kplus).
Viene raccontata una toccante storia fatta di dolore, amore e fiducia, in cui Will (Aidan Gillen, noto al grande pubblico per Il Trono di Spade), un uomo dall’oscuro passato criminale, ottiene un rilascio straordinario dal carcere per prendersi cura di sua nipote Stacey (Lauren Kinsella) in seguito alla morte di sua sorella, la madre di lei. La bambina parte con lo zio per le Midland irlandesi con la speranza di cogliere l’occasione di un

nuovo inizio, l’opportunità per entrambi di formare una vera famiglia. Ma le attese di Stacey vengono subito deluse: le viene negata l’ammissione a scuola a causa della narcolessia che ha sviluppato di recente e Will dimostra di avere dei seri problemi di alcool e droga oltre al fatto di non riuscire a trovare un lavoro serio e a essere una vera figura paterna per la piccola.
Nonostante i numerosi ostacoli e una terribile verità che viene a galla, il rapporto di Will e Stacey non sarà destinato a naufragare e in qualche modo riusciranno a diventare una famiglia.
Un film profondo e intenso dal finale agrodolce ma pieno di speranza che regala molti spunti di riflessione. Lo stesso regista Noonan ha dichiarato: “Mi interessava fare un film su personaggi che custodiscono i loro pensieri e le loro emozioni nel cuore. I due protagonisti vengono messi insieme e costretti a diventare una famiglia elettiva. Non sempre sono in grado di esprimere se stessi. Condividono una caratteristica tipicamente irlandese: il rifiuto di parlare delle proprie emozioni, e la scelta di utilizzare l’umorismo e lo scherno irriverente come mezzi di espressione. Le loro parole non dicono tutto. Così, molti film sono determinati da ciò che i personaggi fanno, e dalle trasformazioni a 180 gradi che i personaggi subiscono. La mia intenzione era quella di fare un film definito in maggior parte da ciò che i personaggi non fanno, e in cui le trasformazioni dei personaggi alla fine sono piccole ma profonde. Sentiamo il cambiamento di questi due personaggi come uno stacco in nero, anche se probabilmente loro non lo ammetterebbero neanche a se stessi”.

La sezione GENERATOR +16, invece, descrive l’inquietudine e la difficoltà di una generazione, che dall’adolescenza passa all’età adulta. All The Wilderness (Usa, 2014) è il primo lungometraggio di Micheal Johnson e racconta la storia di James (un bravissimo Kodi Smit-McPhee capace di regalare una forte espressività), un adolescente inquieto che, dopo la morte del padre, si è perso nelle lande selvagge della sua mente, in un mondo di sua creazione fatto di libri, poesie e immagini dark.

James appare strano agli altri ragazzi e non fa nulla per cercare di essere simpatico e instaurare un qualsiasi rapporto sociale. Vista anche la sua insana attrazione nei confronti della morte, la madre Abigail (Virginia Madsen) lo fa seguire dallo strambo psicologo Walter (Danny DeVito), il quale non sembra però riuscire a toccare le corde giuste del suo cuore per farlo aprire.
James, infatti, è un personaggio assai criptico: non è il solito adolescente preso solo dai problemi di scuola o primi amori, ma i suoi turbamenti sono celati molto più in profondità e non sembrano volersi palesare all’esterno. Sarà solo l’incontro fortuito con dei coetanei a sbloccare la sua timidezza, portandolo a fare nuove esperienze, a riflettere e ad affrontare la verità che lo tormenta.

Solo nel finale tutto verrà rivelato e James riuscirà a capire che la natura selvaggia da cui è attratto non gli appartiene, riuscendo così a fuggire dagli angoli bui della sua mente.
Il film è molto potente e poetico e lo si percepisce sin da subito da come è girato. È romantico e intensamente dark allo stesso tempo, racchiudendo un’infinità di sentimenti come inquietudine, amore, tristezza e perdita.
Stupendo l’uso per tutto il corso del film del poema ‘Wilderness’ di Carl Sandburg, che si accosta perfettamente all’uso molto intimo della macchina da presa, che ricorda in diversi momenti la tecnica di Terrence Malick.
Anche All The Wilderness si è aggiudicato il primo premio nella sezione Generator +16.

Un Caramel-lo da paura

Con sorprendente abilità narrativa in Caramel (titolo originale Sukkar banat) si intrecciano le storie di cinque donne di diverse generazioni e di singolare bellezza, accomunate dal fatto di frequentare lo stesso piccolo salone di bellezza di Beirut, gestito dall’affascinante Layale (Nadine Labaki, protagonista e regista).
Tra shampoo, messe in piega, manicure e cerette, le donne parlano, si confidano paure e si scambiano consigli su amori impossibili per uomini sposati, sull’ossessione per l’eterna giovinezza, su bugie riguardo la propria verginità o sulla possibilità di essere lesbica. L’unica costante è la felicità tanto inseguita e per tanti versi mai raggiunta.
La performance corale strabiliante, colorata e toccante dell’intero cast rende questo film un piccolo gioiellino cinematografico assolutamente da vedere, che indaga con estrema delicatezza soprattutto l’universo femminile di queste amiche, colleghe o vicine dai piccoli o grandi amori piene di crucci, segreti e sensi di colpa.
In realtà il caramello del titolo si riferisce alla ricetta usata per la depilazione fatta semplicemente con zucchero, acqua e limone, molto malleabile e riutilizzabile più volte.
Volendo, quindi, omaggiare il caramello commestibile, ho pensato di proporvelo in una doppia versione di croccante alle mandorle e ai semi di sesamo (ma si possono scegliere anche diversi tipi di frutta secca come nocciole, noci, pistacchi o pinoli).
Conosciuto come uno dei più duttili elementi di decorazione in pasticceria, è semplice (ma allo stesso tempo difficile) da preparare sia a secco che all'acqua. Di seguito vi illustrerò la mia versione a secco.

Ingredienti:
150 g zucchero semolato, 100 g mandorle e 4 cucchiaini di semi di sesamo

Procedimento:
1) Versare lo zucchero semolato in un pentolino e farlo sciogliere lentamente a fuoco molto basso;
2) Senza mescolare, ruotare in continuazione il tegame in modo che lo zucchero si sciolga uniformemente;
3) Proseguire fino ad aver ottenuto la colorazione di caramello desiderata (N.B.: Attenzione perché il caramello tende a colorirsi molto in fretta: il caramello biondo è di colore chiaro e dal sapore delicato, mentre quello bruno è più scuro e saporito);
4) A questo punto aggiungere la frutta secca e con un cucchiaio amalgamare bene il tutto prima di versare il croccante su un piano di lavoro in marmo oppure in una teglia da forno;
5) Livellare il più possibile il croccante versato e, dopo averlo fatto raffreddare leggermente, tagliarlo a quadrotti o a losanghe.

La mia classe: storie che emozianano

Adoro sempre di più imboscarmi nei piccoli cinema, specialmente da quando è possibile gustare solo in luoghi simili le pellicole snobbate dai cinema multisala, anche se meritano di esser viste per la loro bellezza e genuinità molto di più dei film delle grandi case di distribuzione.
A corti discorsi… sono riuscita finalmente a vedere La mia Classe, l’ultimo film del regista e documentarista Daniele Gaglianone (anconetano di nascita ma torinese d’adozione) con un eccezionale come sempre Valerio Mastandrea.
È certamente un film fuori dal coro, soprattutto per come è stato girato e come ha deciso di raccontare l’integrazione degli immigrati nel nostro Bel Paese. Spesso ci si trova in difficoltà a capire dove finisce la finzione e dove inizia la realtà e viceversa. Sembra quasi che non esista copione e forse così è, in modo particolare quando si è rapiti dalle storie strazianti di ciascuno dei personaggi che popolano una piccola classe di extracomunitari, vogliosi di apprendere la lingua italiana.
Valerio Mastandrea veste i panni di un maestro, il quale insegna in modo appassionante e comico la propria lingua madre a un gruppo eterogeneo di stranieri, che bramano un lavoro per ottenere il permesso di soggiorno e tentano quotidianamente di integrarsi nella società.
Cosa succede però quando la scena finisce e anche la troupe e il regista entrano nell’inquadratura? Un errore di montaggio? Per niente. Tutti in questa storia sono personaggi.
Gli immigrati interpretano se stessi coinvolgendo con le loro storie da ogni parte del mondo, cariche di nostalgia e dolore, che si tramutano in calde lacrime… anche sul viso degli spettatori, impotenti di fronte a racconti così strazianti e interrotti da singhiozzi e voci strozzate.
Sin dall’inizio del film lo spettatore viene spiazzato, pensando di assistere più a un documentario che a un film, quando vede i fonici alle prese con i vari microfoni sugli attori o quando un problema di permesso di soggiorno non rinnovato a uno degli attori africani minaccia di bloccare il film.
Cosa succede? Realtà e finzione sono la stessa cosa? Sembra quasi che questa domanda debba risolverla lo spettatore da solo.
Un film potente, commovente e spesso divertente grazie all’involontaria comicità dell’intero gruppo di attori stranieri e di un Mastandrea sempre più bravo. La mia classe vuol dare un briciolo di dignità a tutti coloro che vogliono sentirsi parte viva di un progetto e, pur lasciando aperti molti interrogativi su diversi personaggi, conquista ugualmente per l’alta poeticità delle immagini e dei primi piani di persone che hanno veramente sofferto per cercare fortuna in un paese che, per via di una crisi aberrante, non accetta il diverso, additandolo come usurpatore di lavori che spesso gli stessi italiani si rifiutano di fare.
Invito tutti ad ascoltare con attenzione (come nel film) le parole della magnifica canzone L’autostrada di Daniele Silvestri, che, quasi come una reale poesia in musica, esplicita in modo chiarissimo il silenzio e l’indifferenza che spesso gli stranieri (e non) si trovano a sopportare in una società sempre più chiusa e povera di emozioni.