La perfezione di Carol

Carol, il nuovo film di Todd Haynes tratto dall’omonimo romanzo di Patricia Highsmith ha il pregio (e difetto) di somigliare per molti o troppi versi alla trama di un altro suo gran bel film, Lontano dal paradiso (2002).
Entrambi, infatti, sono ambientati negli anni cinquanta e parlano di una donna della medio/alta borghesia e della difficoltà di poter vivere l’amore, di qualunque natura esso sia, perché l’omosessualità in quell’epoca, così contraddittoria, era ancora vista come un tremendo tabù.
Ma se nell'altro era il marito a vivere la sua attrazione per gli uomini come una patologia da curare, in Carol si racconta l’amore passionale tra due donne, che scoprono di amarsi davvero piano piano.
Therese Belivet (Rooney Mara, che ricorda molto la Hepburn di quegli anni), una giovane commessa, amante della fotografia, si imbatte per caso in una donna matura, elegante e affascinante, Carol Aird (Cate Blanchett, superlativa come sempre) e in un batter d’occhio quella semplice attrazione si trasforma in un amore profondo, intenso e composto.
Non è certo quel genere di film che racconta di quelle famiglie perfette uscite da riviste patinate: Carol, infatti, è una donna che sta divorziando e che è risaputo aver avuto già altre esperienze lesbiche, eppure sembra strano quanto il loro rapporto non venga messo alla gogna dall’intera società ma solo dal marito respinto (Kyle Chandler, che finalmente Hollywood sta riscoprendo anche in film di spessore). 
Carol è a dir poco perfetto dal punto di vista tecnico: la sua grande particolarità è che è stato girato in pellicola utilizzando soprattutto luce naturale, ma anche i costumi e il trucco perfetti sono riusciti a regalare una forte autenticità alla storia. Altrettanto curata la scenografia e gli esterni, che spesso finiscono per somigliare a dei quadri di Edward Hopper.
Non è certamente un film politico, ma un semplice racconto melodrammatico di una grande storia d’amore che non fa distinzioni di razza, classe, età e specialmente orientamento sessuale… tema decisamente molto attuale.

IO, AQUILA - Manuale di volo… e di vita

Oggi faccio volentieri un'eccezione e non parlo né di film né di ricette.

Vi è mai capitato di leggere un libro talmente bello o coinvolgente a tal punto da non riuscire a staccare gli occhi dalle pagine? Immagino di sì. Ognuno di noi è affezionato almeno a un libro perché legato a un momento particolare della propria vita, perché leggendolo ci siamo immedesimati nelle avventure dei personaggi o semplicemente perché avremmo tanto voluto vivere nello stesso periodo storico in cui era ambientata quella storia (mi capita sempre quando leggo Jane Austen).

Ma vi è mai capitato che, durante la lettura, le parole sembrino come saltare fuori dalle pagine e prendere vita perché scritte in modo inequivocabile? Pochi scrittori e poeti sono dotati dell'abilità di creare magicamente delle immagini grazie a un uso sapiente delle parole, dei toni, delle pause, dei dialoghi/monologhi...

Tutto ciò per dirvi insomma che per la prima volta posso anche vantarmi di conoscere uno di questi scrittori. Sto parlando di Giorgio Tassi, un bravissimo fotografo con la passione per la montagna ma anche una buonissina penna.

Ha scritto e auto-pubblicato la sua prima opera di prosa "IO, AQUILA – Manuale di volo". Un'opera intima che sa toccare le corde giuste ed è capace di far sorridere ed emozionare allo stesso tempo. Il tono divertente legato ai ricordi da bambino e adolescente si intrecciano perfettamente a quello più profondo che emerge quando si affrontano le questioni amorose, i dettagli intimi della famiglia o l’incontro ravvicinato con un piccolo di aquila, pronto a spiccare il suo primo volo.

È proprio la Natura, animale e umana, la coprotagonista in questo interessante viaggio alla scoperta dei ricordi di un uomo e alla meraviglia del mondo che ci circonda e che troppo spesso ignoriamo nascondendoci dietro protesi tecnologiche invece di ricordarci semplicemente di ammirare e gustare quanto c’è di bello anche nelle piccole cose: “il mondo è perfetto così”.

Attraverso questo libro si ha poi la conferma di quanto la Natura animale non è poi così diversa da quella umana, anzi. A volte anche solo osservando gli animali è possibile notare quanto siano meglio di noi, individui pensanti che si ritengono superiori a ogni altro essere vivente.

Non è un libro che si può raccontare (ma che quasi si può ascoltare, vista l'ottima colonna sonora suggerita tra le pagine): la storia è intessuta in modo sapiente e, proprio come in un film, vengono usati molti flashback, che non disturbano affatto la lettura, perché tutto alla fine combacia come in un puzzle ricostruito alla perfezione. Arrivati all'ultima pagina si è quasi dispiaciuti che il viaggio del fotografo e del suo amico pennuto sia giunto al termine ma si resta come stregati e desiderosi di cogliere ancora uno scatto di quei paesaggi dentro la macchina foto o di poter vivere i profumi degli alberi, dei prati e dei fiori descritti.

Un libro pieno di immagini, suoni e storie da leggere tutto d'un fiato.

A tutti coloro che non l'hanno ancora letto, dedico la poesia in chiusura del romanzo...

Oggi

faccio giuramento solenne

giuro all'aria

a questa materia sottile

chiamo a testimoni

questa canala grigia

l'acero minuto, tutti i faggi, i carpini neri, i ginepri sparsi

chiamo a testimoni borea e meridio

gli albumi scolpiti a caldo

il miagolio di un selvatico

gli asfodeli, gli asfodeli tutti

la borghese imponenza.

giuro,

giuro solenne,

a questo nido che mi ha custodito

alla terra che mi offrirà il cibo

al silenzio

IO, giuro fedeltà

a questa dimora già sazia di Dio

spazio nuvolare

oggi divieni mio regno

recinto sacro

dove si perderà il mio volo

oggi offro giuramento solenne

al sole, alla luna, a tutte le stelle che saprò riconoscere

oggi sono sole, luna, tutte le stelle che so chiamare per nome

giuro su questo calcare giallo

all'attesa che è diventato tempo

al tempo spezzato nello sguardo

allo sguardo che mi ha custodito

ai tuoi occhi

giuro ora

IO AQUILA

P.s.: Se siete curiosi di vedere il piccolo di aquila ripreso sui Monti Sibillini, cliccate qui.

Nessuno si salva da solo... mai

Dopo già le numerose e fortunate collaborazioni (Non ti muovere e Venuto al mondo) con la scrittrice (e moglie) Margaret Mazzantini, il regista Sergio Castellitto torna a girare un film tratto da un suo ennesimo bestseller, avvalendosi anche di un cast stellare tra cui Riccardo Scamarcio, Jasmine Trinca, e le partecipazioni (piccole ma significative) di Anna Galiena, Ángela Molina e Roberto Vecchioni.

Nessuno si salva da solo è un film in cui ognuno si può rispecchiare (più o meno) nelle ordinarie problematiche della quotidianità dei due protagonisti, Gaetano (Scamarcio) e Delia (Trinca). Trasportati da una forte passione, si sposano giovani, hanno dei figli, ma con il passare del tempo cambiano, maturano e vanno in direzioni opposte, pur restando perdutamente innamorati. 

Castellitto racconta questa storia forte ma in lento disfacimento usando un registro agrodolce, dove il protagonista nascosto è un dolore vivo e sempre presente, che viene rivissuto in ogni dettaglio attraverso dei lunghi flashback durante una cena tra i due, che stanno decidendo dove portare i bambini in estate.

La rabbia, la sfiducia e il rancore sono sempre dietro l’angolo e basta poco per scontrarsi e prendersi a male parole, rimuovendo tutti i momenti belli di una lunga storia d'amore e pur dichiarando di non essere più innamorati l’uno dell’altro, sanno benissimo che non è la verità. 

Nessuno si salva da solo pecca soprattutto nel risultare troppo scontato, anche se racconta con stile una realtà molto vicina alla frustrazione di molte coppie in crisi. 

Forse la parte che preferisco meno è proprio il finale, a dir poco stucchevole, dove la presenza di Vecchioni fa sembrare tutto troppo tirato e irreale.

Resta comunque un’ottima prova attoriale per entrambi i protagonisti: finalmente Scamarcio si è tolto di dosso le sue solite faccette e movenze senza senso, sembrando molto più credibile e divertente anche nei momenti in cui si comporta un po’ da “pagliaccio”; la Trinca, invece, si conferma nuovamente una forza della natura e il suo sguardo, carico di intensità e dolore, comunica molto più di ogni semplice battuta.

Da vedere, anche se questa volta la coppia Castellitto-Mazzantini non ha fatto centro.

Fincher torna alla grande!

L'amore bugiardo (titolo originale Gone Girl) è l'ultima fatica cinematografica firmata dal regista David Fincher, noto per film come Seven, Fight club, Zodiac, Il curioso caso di Benjamin Button e The social network, che vede tra i protagonisti principali Ben Affleck, una straordinaria e inquietante Rosamund Pike (conosciuta per i ruoli ricoperti in Orgoglio e Pregiudizio, Il caso Thomas Crawford, An Education o We Want Sex) e Neil Patrick Harris.
Tratto dall'omonimo romanzo di Gillian Flynn, che firma anche la sceneggiatura, il racconto della storia d’amore tra Nick (Affleck) e Amy (Pike) viene scandito inizialmente dai momenti più significativi annotati dalla stessa in un diario: dal loro primo incontro a New York, dove entrambi vivono e lavorano come scrittori, al primo romantico bacio dato sotto una leggera nuvola di zucchero, alla proposta di matrimonio, ai primi problemi finanziari e lavorativi che iniziano a incrinare il rapporto e alla partenza per il Missouri, dove i due sono costretti a trasferirsi per accudire la madre di lui malata di cancro al seno e dove continueranno a restare, anche se immersi in una noiosa routine. Nel giorno del loro quinto anniversario Amy scompare misteriosamente e piano piano tutte le prove conducono gli ispettori di polizia a pensare a un possibile omicidio, di cui il principale indiziato è proprio il bel maritino dal sorriso sornione a favore di telecamera.
Qual è la verità e dove si nasconde? Chi è la vera vittima e chi il carnefice? Si conosce davvero chi scegliamo di avere accanto per tutta la vita? Quando l’amore naufraga e si trasforma in rivalsa o addirittura in follia?

Da tempo non assistevo alla messa in scena di un thriller così ottimo per contenuti e regia (Fincher e la macchina da presa diventano la stessa cosa, regalando inquadrature a dir poco perfette), per nulla scontato nella scelta dei temi e stili narrativi, dal ritmo serrato con flashback e colpi di scena continui, per cui è impossibile distogliersi o perdere il filo.

Il grande pregio di questa pellicola è di tenere in primo piano la dinamica di una coppia di innamorati in apparenza senza macchia, che invece nasconde molti segreti e di trattare sullo sfondo anche il grande problema dei mezzi di comunicazione odierni. I media riescono a dire tutto e il contrario di tutto, evidenziando allo stesso tempo la superficialità delle persone comuni che arrivano a fare qualsiasi cosa pur di diventare famosi apparendo pochi secondi in tv o in un selfie. Un meccanismo perverso in cui si può restare imprigionati e venirne distrutti. Anche nella realtà di tutti i giorni noi stessi assistiamo attraverso i media a un sistema sociale senza valori e morale e siamo spesso messi di fronte alle notizie in modo sempre più costruito e già di parte. L’apparire è la chiave di tutto ormai.

La focaccia per John Coffey

Il miglio verde (titolo originale The Green Mile, 1999) del regista Frank Darabont è ispirato all'omonimo libro di Stephen King.

Dopo molti anni Paul Edgecomb (Tom Hanks), una guardia carceraria in pensione, racconta a una sua amica della casa di riposo la storia di quanto accadde intorno agli anni ’30 nell’ala del braccio della morte (ovvero il miglio verde del titolo) del penitenziario di Cold Mountain.
Il suo racconto ruota attorno alla figura di John Coffey (lo scomparso Michael Clarke Duncan), un grande uomo nero, analfabeta e dal cuore tenero, condannato a morte (ingiustamente) per lo stupro e l'omicidio di due bambine. Nonostante la sua enorme stazza fisica, l’uomo rivela un carattere davvero semplice e bonario, che finisce per conquistare l’affetto di tutte le guardie nel Miglio verde con la sua paura del buio… ma soprattutto con i suoi “poteri”.
Non voglio svelare di più del film, perché è davvero bello anche se un po’ lungo, ma sicuramente con un cast ricco di bravissimi attori come Sam Rockwell, David Morse, Barry Pepper, Patricia Clarkson, Michael Jeter e James Cromwell.
Dico solo che grazie all’aiuto del detenuto John il povero Paul, affetto da una brutta infezione alle vie urinarie, riesce di nuovo a fare pipì senza problemi ma soprattutto a fare l'amore con sua moglie Jan (Bonnie Hunt), che, in segno di ringraziamento, gli prepara una soffice “focaccia”. La traduzione italiana è leggermente fuorviante, perché in realtà si tratta di cornbread.
Il cornbread è una delle tante specialità della cucina americana: non è altro che un semplice e friabilissimo pane di mais, che è ottimo sia da solo che accompagnato a salse o altro. Assolutamente da assaggiare!

Ingredienti: 150 grammi di farina 00, 200 grammi di farina di mais, 1 bustina di lievito secco, 1 cucchiaino di bicarbonato, 1 cucchiaino di sale, 3 cucchiai di zucchero, 200 ml d latte parzialmente scremato, 3 uova e 80 grammi di burro

Procedimento:
1) Mescolare tutti gli ingredienti secchi in una ciotola capiente;
2) A parte battere velocemente le uova con il latte e il burro fuso e aggiungere tutto al resto del composto;
3) Dopo aver ottenuto un composto compatto e liscio, versarlo su una teglia rettangolare (leggermente unta oppure ricoperta di carta forno) e lasciar cuocere nel forno preriscaldato per circa 30 minuti a 180°;
4) Sfornare il pane quando risulterà ben dorato e avrà formato una leggera crosticina in superficie;
5) Lasciar intiepidire (altrimenti si sbriciolerà, appena lo si taglia) e servire a cubotti.

P.s.: questo tipo di pane si mantiene benissimo per un paio di giorni se avvolto con uno strofinaccio o conservato dentro un sacchetto di carta.

Il minestrone di Francesca: semplicità e gusto!

Ci sono dei film che non ci si stanca mai di rivedere, perché sono semplicemente pura poesia sullo schermo, come I ponti di Madison County (1995, titolo originale The Bridges of Madison County), tratto dall'omonimo romanzo di Robert James Waller e diretto e interpretato da Clint Eastwood.
Una storia d’amore intensa che non prevede l’happy ending ma che è capace comunque di regalare una potenza di emozioni da togliere il fiato fino alla fine.
Il film narra di Francesca (Meryl Streep), una casalinga un po’ annoiata della sua vita di campagna e Robert (Clint Eastwood), un fotografo misterioso giunto nell’Iowa per fare qualche scatto ai famosi ponti coperti della zona per conto del National Geographic.
L’incontro tra i due avviene quando il marito di lei parte insieme ai loro due figli per una fiera campionaria di bestiame: Francesca, sola nella sua casa, assapora quel silenzio e quella libertà tanto agognata nelle monotone giornate della sua quotidianità, finché non giunge alla sua porta Robert, che si è perso.
Per quattro giorni Francesca diverrà dapprima la sua guida attraverso quei luoghi di campagna desolata ma al contempo ricchi di fascino e poi sua amante. Il loro amore nasce e cresce in modo naturale e resterà tale anche nel corso degli anni, anche dopo che entrambi avranno scelto strade diverse.
La loro storia, infatti, viene raccontata e rivissuta attraverso i diari di Francesca, ritrovati dopo la sua morte dai figli nella loro vecchia casa e, anche se inizialmente sono sconcertati di aver scoperto il tradimento della madre, capiranno poi il vero senso di una storia d’amore unica, che molti vorrebbero vivere almeno una volta nella vita e non la trovano.
Ecco una splendida battuta recitata dal personaggio di Francesca che racchiude il senso di tutto il film: "in quattro giorni mi regalò una vita intera, un universo, ricompose i frammenti del mio essere in un tutto... Non ho mai smesso di pensare a lui... anche se non lo ricordavo consciamente, lo sentivo vicino a me, c'era sempre".
Venendo alla ricetta...
Una sera Francesca invita Robert a cena e prepara un magnifico e gustoso minestrone… non rabbrividite! Il minestrone non solo è un piatto sano perché ricco di verdure, ma è ottimo prepararlo in estate, quando gli ortaggi sono decisamente più gustosi e se mangiato freddo con in abbinamento dei crostoni di pane abbrustolito, vi assicuro che è la fine del mondo!

Ingredienti (per 5 persone): 1 cipolla, 2 zucchine, 1 carota, 2 patate, 80 g di fagioli cannellini freschi, 1 costa di sedano, 3 coste di biete, 2 foglie di cavolo nero, un pizzico di rucola, 3 foglie di basilico, 1 rametto di maggiorana, 2 pomodori rossi freschi spellati, olio extravergine di oliva, sale e pepe nero

Procedimento:

1) In una pentola capiente far soffriggere la cipolla con un goccio d’olio e un pizzico di sale;

2) Appena la cipolla risulterà ben dorata, aggiungere tutte le verdure tagliate a pezzetti insieme a 500 ml di acqua;

3) Dopo aver salato e pepato a sufficienza, mescolare ogni tanto e lasciar cuocere a fuoco basso per almeno un'ora, fino a quando tutte le verdure risulteranno ben cotte;

4) Servire il minestrone freddo con un goccio di olio a crudo (N.B.: è possibile anche sostituite l'olio finale con una noce di burro per far risaltare un profumo decisamente più delicato).

P.s.: Ho scelto queste verdure semplicemtne perchè erano quelle a disposizione nel mio orto, ma potete sbizzarrirvi come meglio credete!!!

Benvenuti al Grand Budapest Hotel!

Grand Budapest Hotel è l’ultimo capolavoro partorito dal genio di Wes Anderson, ispirato alle opere dello scrittore austriaco Stefan Zweig. Questa pellicola è stata scelta come film d'apertura della 64ª edizione del Festival internazionale del cinema di Berlino, aggiudicandosi l’Orso d’argento e il Gran premio della giuria… peccato però che non ha avuto una notevole e meritata pubblicità e distribuzione anche in Italia.
Se come me eravate rimasti delusi dalle ultime opere cinematografiche del giovane cineasta statunitense, consiglio vivamente di correre al cinema per gustarsi questo piccolo gioiellino che ricorda tutta la simpatia e la costruzione del racconto a tappe de i Tenenbaum.

Uno scrittore (Tom Wilkinson) apre le scene del film iniziando a presentare il suo ultimo libro, nato da una storia narratagli molto tempo prima, quando, negli anni ’60, ancora giovane (Jude Law) decise di soggiornare in un hotel un tempo sontuoso ma in completo decadimento prima di partire per un lungo viaggio all’estero per motivi di salute. Grazie al suo breve ma intenso incontro col misterioso milionario Zero Mustafa (F. Murray Abraham) viene a conoscere le avventure di Monsieur Gustave, un concierge molto bravo nel suo lavoro, specialmente con le clienti bionde e un po’ attempate, che era capace di soddisfare ogni bisogno all’interno del magnifico Grand Budapest Hotel, immerso tra le montagne di un'immaginaria Repubblica di Zubrowka durante gli anni ’30 in Europa (quando la guerra era ancora solo un sentore nell’aria).
Zero, in realtà, si scoprirà esser stato uno dei più intimi e cari amici nonché collaboratori di M. Gustave, quando, entrato a lavorare in hotel come giovane lobby boy in prova (uno straordinario ed espressivo Tony Revolori), fu poi trasformato nel suo garzoncello di fiducia, a cui insegnò ogni regola di cortesia e comportamento con i clienti e le sue arti amatorie instillate attraverso poesie romantiche.
Non appena presentati i vari protagonisti ecco che la storia prende una nuova piega. Madame D. (un’irriconoscibile Tilda Swinton), una delle clienti più affezionate dell’albergo, è stata ritrovata morta in casa sua e, anche se nessuno è riuscito ancora a trovare un colpevole, viene data lettura del suo testamento da parte del fidato avvocato di famiglia (Jeff Goldblum). Tra lo stupore generale dei parenti e in particolare dello spregevole figlio Dimitri (Adrien Brody), si viene a scoprire che un pregiatissimo e inestimabile dipinto intitolato “Ragazzo con mela” è stato destinato al suo fidato amante, M. Gustave.
Questo sarà solo l’incipit di una serie infinita e rocambolesca di guai, che porteranno dapprima al furto del suddetto quadro e poi M. Gustave in prigione con l’accusa di omicidio dell’anziana donna, ma da cui riuscirà a fuggire grazie all’aiuto di alcuni malviventi, conquistati a furia delle dolci leccornie preparate nella pasticceria di Agatha (Saoirse Ronan), la fidanzata (e futura moglie) di Zero.
Alla fine tutti gli omicidi commessi dal tirapiedi di Dimitri (Willen Dafoe) verranno aggiudicati al suo vero colpevole e con la lettura dell’ultimo vero testamento di Madame D. saranno cambiate le sorti di molti dei personaggi.
Sullo sfondo del film si dipana la storia principale di Gustave H. e del dipinto, ma in realtà osservando meglio ci sono molte altre microstorie in superficie, come la dolce storia d’amore tra Zero e Agata e il mondo in fermento per una nuova guerra alle porte, dove i primi segni di totalitarismo vengono fuori grazie alle figure della polizia alla frontiera capitanate da un impassibile ispettore Henkels (Edward Norton).
I paesaggi esterni color pastello ricordano molto una vecchia cartolina e, grazie a una stilizzazione infantile tipo da cartone animato, le scene spesso acquisiscono un sapore quasi da fiaba; mentre le musiche e la cura dei dettagli dei costumi e degli ambienti interni denotano un certo non so che di maniacale, che al tempo stesso si rivela essere una pura gioia per gli occhi.
La raffinatezza stilistica e visiva raggiunta da Anderson con il suo Grand Budapest Hotel è sinonimo di una virtuosa commedia capace di regalare numerose risate, in quanto risulta coinvolgente dall’inizio alla fine grazie a continui colpi di scena e alle scelte non convenzionale tipiche di questo giovane e talentuoso regista.
Nel film ci sono diversi prestigiosi cammei come quelli di Jason Schwartzman, Léa Seydoux, Mathieu Amalric, Harvey Keitel, Owen Wilson e Bill Murray, che rendono il cast memorabile (come sempre), in cui troneggia un bravissimo e acclamato attore del calibro di Ralph Fiennes, che si svela in nuove ed esilaranti vesti comiche, regalando delle vere perle di quell’ironia tipica dei grandi film del passato (ricordati con geniali citazioni), incarnando uno dei personaggi più riusciti come quello di M. Gustave, un incallito dongiovanni, dannatamente vanesio e al tempo stesso solo e malinconico.

12 anni schiavo: Steve McQueen e la potenza della storia americana

Dopo averlo rincorso per settimane sono finalmente riuscita a vedere uno dei film favoriti nella corsa all’ultima edizione degli Oscar ovvero 12 anni schiavo.
Candidato a ben 9 premi, nessuno era convinto che potesse farcela soprattutto visto le altre pellicole in corsa (The Wolf of Wall street, American Hustle e Dallas Buyers Club) e nessuno si aspettava di certo l’incetta di premi che ha fatto Alfonso Cuaròn con il suo Gravity (uno dei primi film di fantascienza a ottenere così tanti riconoscimenti).
Saratoga (New York) 1841. Solomon Northup (un bravissimo e convincente Chiwetel Ejiofor) - violinista di successo, nero e nato uomo libero - venne ingannato e, strappato alla moglie e ai due figlioletti, fu venduto come schiavo. Divenne Brett, un negro fuggito dalla Georgia, che, per i successivi 12 anni, dovette nascondere la sua vera identità e le sue capacità di leggere e scrivere.
Divenuto un “negro” come tutti gli altri, Solomon a poco a poco rinuncia a suon di frustate immeritate alla voglia di ribellarsi e di dire a tutti chi sia veramente. Nonostante i mille soprusi e le ingiuste torture subite dai diversi padroni che lo hanno acquistato come schiavo, decide di voler sopravvivere per non perdere almeno la sua dignità di uomo, anche se nel profondo del suo cuore sente sempre più lontana la possibilità di rivedere i suoi cari.
Soltanto quando incontrerà lungo il suo cammino un umile falegname abolizionista (un irriconoscibile Brad Pitt), che lo aiuterà a cambiare la sua vita e a farlo finalmente tornare a casa, scrivendo una semplice lettera per testimoniare la sua legittima libertà.
Come si evince dai titoli di coda, Solomon combatté poi per far condannare gli uomini che lo trassero in schiavitù senza riuscirci, mentre per tutti gli schiavi afroamericani ci vorranno molti altri anni per ottenere una vera giustizia.

Il film è un adattamento (quasi del tutto) fedele del romanzo autobiografico di Solomon Northup, le cui gesta conquistano lo spettatore soprattutto per il suo silenzio struggente più di molti pianti. È impossibile non restare coinvolti da una storia simile, eppure in alcuni momenti (soprattutto nel finale) questa forte empatia con la vicenda narrata sembra scemare. A tratti, infatti, la pellicola pesa per via della sua lunghezza, considerato anche il gran numero di piani sequenza molti belli ma forse inutili al racconto, che non hanno fatto altro che dilungare la storia inutilmente.
Per quanto riguarda la sceneggiatura di John Ridley (anch’esso vincitore del premio Oscar) mi è sembrato alquanto strano che si fosse scelto un uso smodato di un linguaggio a tratti troppo forbito in bocca ai cosiddetti schiavi non istruiti. L’ho trovata una leggerezza di scrittura e forse anche di traduzione nel doppiaggio piuttosto grave: sarebbe stato più comprensibile notare una differenza di espressione tra Solomon e tutti gli altri schiavi comuni, ma con questo non pretendevo certo di tornare al modo di parlare usato dai personaggi come quello di Mammy in Via col vento.
Per l’ensemble di attori scelti per questo film non si è certo elemosinato in bravura.
La presenza di Michael Fassbender nei panni del diabolico padrone Edwin Epps ha regalato al film quel pizzico di disumanità, perversità e cinismo tale da essere in giusta contrapposizione alla figura più mite e sottomessa di Solomon/Chiwetel Ejiofor. Fassbender, attore feticcio e amico di infanzia del regista, ha saputo dimostrare ancora una volta tutta la sua potenza e bravura di attore (avrebbe meritato anche lui la vincita dell’Oscar se non fosse stato per la performance indimenticabile di Jared Leto nei panni di Rayon in Dallas Buyers Club) come anche la giovanissima Lupita Nyong’o (alla sua prima prova d’attrice in un kolossal di tale portata, che le è valso addirittura l’Oscar come miglior attrice protagonista), la quale ha regalato una toccante interpretazione della schiava Patsey, la favorita di Epps, che arriva a supplicare Solomon di ucciderla perché è stanca della sua vita.
Anche i personaggi secondari, pur apparendo per poco tempo sulla scena, lasciano un piccolo segno nella narrazione così potente e realistica dello schiavismo in America: il detestabile Theophilus Freeman (Paul Giamatti), che per primo venderà Solomon come schiavo al padrone William Ford (Benedict Curmberbatch); il perfido John Tibeats (Paul Dano ai massimi livelli) e l’opportunista Harriet Shaw (Alfre Woodard), dapprima schiava e poi moglie nera di uno schiavista, che ama prendere il tè servita e riverita come una vera signora bianca.
Rispetto a Hunger (2008) e a Shame (2011), dove la potenza e la crudezza delle immagini parlavano da sole, in 12 anni schiavo sembra che il tocco incisivo del cineasta inglese Steve McQueen (dal nome omonimo del grande attore degli anni ’70) sia stato leggermente soffocato dal peso di una simile produzione hollywoodiana. La macchina da presa sembra indugiare in alcuni momenti e non mostrare tutto quasi per timore di prendere troppo di petto la situazione, al contrario di come egli aveva dimostrato di saper fare in passato. Al tempo stesso, quasi per farsi perdonare, vengono preferiti degli struggenti primi piani e delle magnifiche inquadrature a piccoli dettagli che tolgono il fiato.
12 anni schiavo commuove e, anche se non si esce dal cinema in qualche modo scossi psicologicamente (come può succedere vedendo Shame), merita comunque di essere visto anche solo per il sublime e realistico scorcio storico che riesce a emulare grazie alla grande maestria del regista inglese, per la fotografia, per i costumi, per le grandi interpretazioni degli attori e per le magnifiche musiche di Hans Zimmer (struggenti soprattutto i canti intonati durante la raccolta del cotone nei campi).
Sono stata a dir poco prolissa, ma è stato come un fiume di parole in piena...

Apple pie... mele a gogo!

Qual è il dolce americano per eccellenza? Non ci sono dubbi: la torta di mele ovvero la mitica apple pie.

In molti film viene citata, mangiata o addirittura usata per altri scopi come in American Pie... ma solo due film, secondo il mio modesto parere, la rievocano nel modo più carino e addirittura patriottico… nel caso ve ne vengano in mente altri, posso sempre aggiungerli alla lista!

Il primo film che voglio citarvi è anche uno dei preferiti dell'Amica di Babette in età adolescienziale. Si tratta di A letto con il nemico (1991, Sleeping with the Enemy) del regista Joseph Ruben con una giovanissima Julia Roberts, Patrick Bergin e Kevin Anderson.

Un thriller dal gusto romantico che parla di una giovane coppia, Laura (Roberts) e Martin (Bergin), apparentemente perfetta. Lei è bellissima e succube di un marito che scoprirà ben presto essere molto geloso, possessivo e violento. Stanca di subire continui abusi, Laura architetta una via di salvezza, inscenando la propria morte.

Dopo aver fatto finta di essere annegata durante un incidente in barca a vela, fugge lontano e tenta di ricostruirsi una nuova vita. Anche se il marito riuscirà a trovarla, non voglio certo svelarvi il finale!

Nella piccola cittadina dove si è trasferita Laura (che ha cambiato nome in Sara), incontra Ben, suo vicino di casa e simpatico insegnante di recitazione. Lui è folgorato dalla bellezza della giovane, che coglie in flagrante a raccogliere di nascosto delle mele dal suo giardino. Quale scusa migliore allora per conoscersi meglio e approfittare di farsi cucinare uno dei suoi dolci preferiti ovvero la torta di mele?

Altro film, invece, che trovo simpaticissimo citare per questa ricetta è la commedia (davvero politically uncorrect) Thank You for Smoking (2005, tratto dall'omonimo romanzo di Christopher Buckley), diretto da Jason Reitman e interpretato da Aaron Eckhart, Maria Bello, J.K. Simmons, David Koechner, Katie Holmes, Robert Duvall, Rob Lowe e William H. Macy.

Nick Naylor (Eckhart) è un lobbista per la difesa del fumo e dei produttori di sigarette che sa sfruttare in pieno la sua incredibile parlantina con il quale non perde mai una discussione sui danni innegabili del fumo. Anche i suoi migliori amici sono accomunati dalla stessa sua dubbia integrità morale: si sono, infatti, denominati gli MdM, acronimo per Mercanti di Morte, visto che Nick è in favore dei grandi del tabacco, Polly (Bello) è una lobbista dell’industria degli alcolici e Bobby J. rappresenta la SAFETY ovvero la società per la promozione delle armi da fuoco.
Scommettendo su chi dei tre ammazza più americani ogni anno, Nick sa bene che le sigarette sono al primo posto e sono anche le più odiate soprattutto dalle associazioni contro il cancro in favore delle campagne anti-fumo come quella indetta dal senatore Ortolan Finisterre (Macy), che è addirittura propenso a far stampare degli enormi teschi sui pacchetti delle sigarette.
Cosa possono fare allora le grandi aziende di tabacco contro una simile iniziativa? L’idea di Nick è di far diventare le sigarette più “fighe” grazie allo zampino di Hollywood.
Varie peripezie e dibattiti dovranno far rivedere a Nick i propri valori soprattutto dal punto di vista di come essere un miglior padre per suo figlio Joey, dimostrandogli soprattutto che bisogna sempre saper giustificare le proprie idee.
Una sceneggiatura brillante costellata da numerosi e divertentissimi monologhi caratterizzati da un’arguta e saccente ironia.
Magnifica la scena in cui all’ennesimo incontro degli MdM, Bobby J. ordina un pezzo di torta di mele con sopra una fetta di cheddar (classico formaggio americano), definenendola appunto “patriottica”.

Dopo tanto tergiversare, passo finalmente a parlare della mia versione di questa ricetta.

Ingredienti:

Per l'impasto: 300 g farina 00, 120 g burro, 50 ml acqua e un pizzico di sale
Per il ripieno: 3 mele, 1 spicchio di limone, 3 cucchiai di zucchero semolato, 1 cucchiaino di cannella in polvere, un pizzico di noce moscata e 1 cucchiaio di farina 00
 

Procedimento:

1) Disporre la farina a mo’ di fontana, posizionarvi al centro il burro con il pizzico di sale e, non appena aggiunta l’acqua, amalgamare il tutto fino ad ottenere un composto ben omogeneo, che andrà avvolto con della pellicola trasparente e fatto riposare in frigorifero per almeno 45 minuti;
2) Nel frattempo preparare il ripieno, sbucciando e tagliando a pezzettini molto piccoli le mele a disposizione (N.B. io ho scelto 2 golden gala e 1 fuji), che andranno poi cotte dolcemente in padella con il succo di limone, lo zucchero, la cannella, la noce moscata e un pizzico di farina, fin quando non si otterrà un ripieno morbido e cremoso;
3) Togliere l’impasto dal frigo e con un matterello stendere 2/3 della pasta in modo da ricoprire il fondo di una teglia (dal diametro di circa 25 cm), coperto di carta forno;
4) Disporre le mele cotte in precedenza sullo strato sottile di sfoglia;
5) Ricoprire la torta con un altro strato di impasto e con una forchetta praticare dei forellini sulla superficie e ripiegare poi i lembi della torta su se stessi (N.B. con una parte di impasto restante ho creato delle piccole stelline come decorazione in omaggio al dolce Made in Usa);
6) Cucinare in forno già caldo a 180° per circa 40 minuti;
7) Quando la superficie risulterà leggermente dorata, spennellare con del latte o dell’uovo e spolverare con dello zucchero, rimetterla poi nel forno spento che, grazie al calore, contribuirà a creare una croccante crosticina;
8) Servire calda o fredda (dipende dai vostri gusti) con in accompagnamento un ciuffo di panna montata o una pallina di gelato alla vaniglia.
 

P.s.: Nel ripieno in molti consigliano di aggiungere qualche fiocchetto di burro, ma non me la sono sentita visto che l’impasto di per sé è già molto burroso.

Happy anniversary!!!

Chi l'avrebbe mai detto, eppure L'amica di Babette compie un anno di vita!!!

Un grazie è doveroso a chi mi ha ispirato nell'idea di cimentarmi in questa avventura cinefilo-culinaria, chi mi ha sostenuto assaggiando (a volte anche controvoglia) tutti i piatti che ho sperimentato e chi mi ha accompagnato al cinema nel corso di questo anno.

BILANCIO FINALE: 26 commenti a film più o meno belli (escluse le anticipazioni dei trailer, che da oggi pubblicherò solo nella pagina Facebook) e ben 47 ricette.

Tanto per festeggiare come potevo esimermi dal proporvi una dolce ricetta molto particolare perché esattamente estrapolata dal film Il pranzo di Babette di Gabriel Axel e riproposta nel magnifico libro A pranzo con Babette - Le ricette di Karen Blixen di Allegra Alacevich, Il leone verde Edizioni?!

Si tratta del dolce offerto alla fine del lauto pranzo preparato da Babette, un tempo famosa chef del Café Anglais, in occasione dei festeggiamenti del centenario della nascita del Decano del villaggio ovvero un semplicissimo ma delicato Babà al rhum.

Ingredienti (per 6 persone): 4 uova, 350 gr farina 00, 150 gr zucchero, 1 cubetto di lievito di birra, 100 gr burro, latte, 1 limone grattugiato, 1/2 bicchiere di acqua, 1/2 bicchiere di rhum e un pizzico di sale

Procedimento:

1) Far sciogliere delicatamente il lievito di birra in acqua tiepida e, dopo aver unito circa 50 gr di farina 00, impastare bene e lasciar lievitare il composto per almeno due ore, coprendolo con un canovaccio;

2) Nel frattempo impastare il resto della farina con il burro sciolto in un po' di latte, le uova, 100 g di zucchero, la buccia di un limone grattugiato e un pizzico di sale;

3) Dopo aver amalgamato bene gli ingredienti, aggiungere anche la pasta lievitata;

4) Disporre l'impasto ottenuto in una tortiera precedentemente imburrata e infarinata;

5) Lasciar lievitare nuovamente finché la torta non avrà duplicato le sue dimensioni;

6) Cucinare in forno a 180° per circa 40-45 minuti;

7) Lasciar riposare la torta in forno dopo averlo spento;

8) Sciogliere poi 50 g di zucchero con mezzo bicchiere di acqua, in seguito aggiungere mezzo bicchiere di rhum e versare tutto il composto sopra il babà.

P.s.: l'aspetto non sarà dei migliori (visto che nel film Babette lo aveva arricchito di magnifici fiori in pasta di zucchero e frutta candita), ma posso assicurare che è un dolce ottimo dall'aroma delicato ma travolgente, soprattutto se servito leggermente freddo.

Sorrentino, regista sopraffino!

La grande bellezza di Paolo Sorrentino non è un film semplice, adatto per tutti i gusti, anzi quando lo si vede, occorre concentrazione perché la grande bellezza e la grande verità di questa pellicola risiedono non solo nella magnifica fotografia che riesce a catturare la magia della città di Roma, ma anche nei magnifici dialoghi e monologhi che si intarsiano tra loro, nascondendo svariati messaggi subliminari.

Protagonista del film è Jep Gambardella (il semplicemente MAGNIFICO Toni Servillo), uno scrittore partenopeo che ha fatto successo vincendo l'ambito premio Bancarella per un solo libro, scritto in età giovanile, ovvero "L'apparato umano". Divenuto poi giornalista e critico teatrale, può essere più comunemente considerato il re dei mondani, che vive la notte ed esce di scena alle prime luci dell'alba, potendo così ammirare la bellezza del giorno che nasce e di tanti piccoli dettagli nascosti agli occhi della gente comune ancora immersa nel sonno.

Lui è uno di quelli che conosce tutto e di tutti e che ha i contatti giusti per qualsiasi cosa, perché conosce le persone e i luoghi giusti.

Alla festa di compleanno per i suoi sessantacinque anni, il regista fa una grottesca carrellata di quali persone egli ami frequentare: cafoni, ignoranti, ma fondamentalmente falliti che riescono ancora a restare a galla in un mondo dove si può fare successo senza saper fare nulla di specifico.

Ci sono una bella donna che per di mestiere fa semplicemente la ricca e non ha nulla da dire al mondo (Isabella Ferrari), un drammaturgo che non ha mai sfondato e alla fine decide di salvarsi ritornando in provincia (un bravissimo Carlo Verdone), un venditore di giocattoli che di notte ama andare con i transessuali (Carlo Buccirosso), una spogliarellista con dei misteri (Sabrina Ferilli), una direttrice di giornale che, grazie al suo nanismo, ha imparato a guardare il mondo dal basso, un cardinale con il pallino della cucina (Roberto Herlitzka) e ancora molti altri personaggi al limite del grottesco, ma che sono il ritratto vero di quella parte di società che sta sprofondando, nascosta nella vacuità dei salotti.

Ecco giusto un assaggio di chi sono i “veri” amici di cui Jep ama circondarsi, in particolare agli eventi mondani e alle cene nel suo appartamento con meravigliosa vista Colosseo.

Lui sa di essere migliore di tutta quella gente e certamente non lesina affatto anche i commenti più taglienti, camuffati da una certa ironia e sarcasmo e vorrebbe liberarsi da questo torpore in cui è immerso da anni e provare a scrivere un altro libro e salvarsi, perché lui di cosa ne ha da dire, anche se senza volerlo è ancora ancorato al suo passato più di quanto immagini (basti vedere il suo grande amore mai dimenticato).

Dopo This must be the place Sorrentino ha deciso di tornare con un approccio molto simile (e non si può non notare un forte riferimento a La dolce vita di Fellini), dove la narrazione è lasciata più all'alta poeticità delle immagini (che lasciano senza fiato) che alle parole, spesso in forma di magnifici ed eloquenti monologhi, che riescono a stupire lasciando una scia di emozioni pure, anche quando sfiora temi drammatici come la morte.

Credo fortemente che il significato di questo film risieda proprio in alcune semplici ma esaustive parole del protagonista, udibili anche nel finale del trailer ovvero:

“È tutto sedimentato sotto il chiacchiericcio e il rumore, il silenzio e il sentimento, l'emozione e la paura, gli sparuti incostanti sprazzi di bellezza e poi lo squallore disgraziato e l'uomo miserabile.”

Nel film compaiono anche nomi illustri in piccoli cameo o parti secondarie come Fanny Hardant, Iaia Forte, Giorgio Pasotti nell'intrigante figura di Stefano e un giovane ma intenso Luca Marinelli (visto già ne La solitudine dei numeri primi).

Magnifici alcuni brani della colonna sonora quali My heart's in the Highlands e The Beatitudes eseguito da Kronos Quartet.

 

More, more, more... Scorsese!

Dopo l'ultimo e indimenticabile Hugo Cabret (2011), Martin Scorsese ha deciso di ritornare con un nuovo film: The Wolf of Wall Street, che è tratto dall'omonima autobiografia del famoso broker Jordan Belfort (Leonardo Di Caprio), che negli anni '80 controllò Wall Street con le sue losche manovre e fu poi condannato per frode e riciclaggio di denaro sporco.
Sin da giovane Jordan rimane affascinato da quell’avido e ambizioso mondo e impara subito a giocare sporco e a fare tanti soldi. Fondò prestissimo una delle più grandi società di brokeraggio di quegli anni, divenendo famoso anche per i suoi eccessi, vivendo all’insegna di droghe, macchine veloci, case sontuose e prostitute d’alto bordo.
Arrivò poi il momento in cui l’FBI scoprì le sue manovre finanziarie a danno di molti investitori e per questo "II lupo di Wall Street" fu incriminato a soli pochi mesi di reclusione vista la sua piena collaborazione con le autorità.

Nel film compaiono anche i nomi di Jonah Hill, Matthew McConaughey, Kyle Chandler e molti altri.

Tranquilli: Belfort non ha nulla a che vedere con il Gordon Gekko (Micheal Douglas) in Wall Street di Oliver Stone?!  

P.s.: Leggemrente in anticipo come mio solito... il film sarà distribuito in Italia probabilmente a dicembre prossimo, ma il trailer era troppo bello che non ho resistito a condividerlo.

Gatsby? Quale Gatsby?

In uno dei miei primissimi post avevo proprio parlato dell'uscita di questo film e, anche se l'ho già detto, voglio ripetermi e dire ancora una volta quanto io adori la genialità espressiva e creativa del regista australiano Baz Luhrmann, anche se questa volta devo proprio ammetterlo non è riuscito a conquistarmi in pieno.
Il Grande Gatsby ha avuto l'onore di aprire la kermesse della 66° edizione festival di Cannes e ha riscosso dei pareri contrastanti dalla critica internazionale... tra cui anche il mio.

Ma chi è Gatsby? Sembra un vero e proprio mistero viste le innumerevoli storie e rocambolesche avventure che ruotano attorno al suo nome. Leonardo DiCaprio veste i panni di questo enigmatico personaggio nato dalla penna di F. Scott Fitzgerald, che sembra esser venuto fuori dal nulla e nessuno sembra conoscere davvero. 

1922. Un giovane e ambizioso Nick Carraway (un eccezionale Tobey Maguire) si trasferisce in una sorta di piccolo cottage a Long Island, confinante con la villa sfavillante di un certo Jay Gatsby (Di Caprio), conosciuto da chiunque fino a New York per le sue feste indimenticabili. Dall'altra parte della baia, da cui proviene la strana luce verde del faro, abita sua cugina Daisy (una scialba Carey Mulligan, che sembra inespressiva anche nei momenti più toccanti), in preda alla noia di tutti i giorni trascorsi in compagnia della fedele amica e famosa golfista Jordan Baker (un'ammaliante e ancora poco conosciuta Elizabeth Debicki) e del marito Tom Buchanan (Joel Edgerton), un ex giocatore di polo ricchissimo, che la tradisce continuamente con l'amante dai capelli rosso fiammanti, Myrtle (Isla Fischer, eccessiva ma ottima) ovvero la causa di innumerevoli e inscresciosi incidenti.

Nick verrà poi a sapere che cinque anni prima Daisy e Gatsby si erano conosciuti ed erano stati innamorati, così accetta la proposta di lui per arrangiare un incontro tra i due, ma come finirà?

I ruggenti anni ’20 vengono portati sullo schermo attraverso costumi sfavillanti e un martellante ritmo musicale, creato mescolando stili davvero diversi attraverso nomi del calibro di Jay-Z, Lana Del Rey, Jack White oppure Florence + The Machine. 

Alcune parti del libro per ovvi motivi di tempo non sono state approfondite o prese in considerazione, ma la maggior parte dei dialoghi o del passaggio finale di Nick sono stati mantenuti alla perfezione. 

"Non si può ripetere il passato": sono queste le parole che Nick rinfaccia a Gatsby che a tutti i costi vuole cercare di tornare indietro nel tempo... e questo sembra valere anche per Luhrmann, che ha perso la sua capacità di rendere senza tempo e indimenticabili le storie che racconta.

Jane Austen per tutti!

Tratto dall’omonimo romanzo di Karen Joy Fowler, Il club di Jane Austen (2007, titolo originale The Jane Austen Book Club) è un vero e proprio omaggio alla letteratura di una delle più grandi scrittrici inglesi ovvero Jane Austen. La regista Robin Swicord è maggiormente nota non come cineasta bensì come sceneggiatrice... vi cito solo qualche titolo conosciuto: Piccole donne, Amori & incantesimi, Memorie di una geisha e Il curioso caso di Benjamin Button.

Ogni donna del club viene presentata con tutti i propri difetti, pregi e debolezze, quasi come se incarnassero ciascuna lo stile delle eroine descritte dalla Austin nei suoi romanzi.

Bernadette (Kathy Baker) è colei che decide di mettere in piedi un club del libro, che nell'arco di sei mesi sarà completamente incentrato sulla lettura dei sei romanzi maggiormente conosciuti della Austin, per cercare di risollevare il morale a varie amiche e nuove conoscenze, ognuna in preda a qualche dramma personale.

Jocelyn (Mario Bello), un'allevatrice di cani, ama la vita che fa, senza sentire il bisogno di doversi legare a un uomo e vorrebbe che tutti accanto a sé siano felici e rispettino i suoi pensieri e i suoi consigli. Un'insegnante di francese Prudie (Emily Blunt) insoddisfatta della sua vita coniugale, in particolare dopo che il marito Dean (Marc Blucas) ha annullato il loro viaggio insieme a Parigi. Sylvia (Amy Brenneman), invece, è stata mollata dal marito Daniel (Jimmy Smits) per un'altra e sconvolta viene convinta dalle sue amiche a divagarsi un po' con dei buon libri... anche se in realtà già li conoscono tutte a memoria. C'è anche Allegra (Maggie Grace), la figlia lesbica di Sylvia, che si innamora sempre della tizia sbagliata e l'unico maschietto nel club, l'impacciato ma sexy Grigg (Hugh Dancy).

Una commedia leggera ma divertente con una splendida colonna sonora, che fa venir voglia di leggere da capo tutti i romanzi della Austin... nel caso non l'abbiate mai fatto! Qual è il vostro preferito? Il mio è Persuasione!!!

Nei loro incontri mensili spizzicano piccole leccornie durante accese discussioni sulle scelte letterarie dell'autrice inglese e proprio a casa di Grigg vengono proposti degli squisiti carciofi al gratin... ed eccoli qua!

Ingredienti (per 2 persone): 3 carciofi medi, pan grattato q.b., 1/2 aglio, prezzemolo, origano, sale, pepe nero e olio extravergine di oliva

Procedimento:

1) Mondare accuratamente i carciofi, poi immergerli in acqua acidulata con il succo di un 1/4 di limone  e un pizzico di farina bianca 00;

2) Nel frattempo portare a bollore dell'acqua salata con poche gocce di aceto e limone, dove farete sbollentare leggermente i carciofi puliti in precedenza per circa 5 minuti;

3) Dopo averli scolati, tagliateli a metà e disponeteli su una teglia da forno;

4) Preparate intanto la panatura con un po' di pan grattato, aglio schiacciato, prezzemolo tagliuzzato finemente, un pizzico di origano, sale e pepe nero;

5) Disporre abbondantemente la panatura sopra i carciofi e condirli con un filo di olio extravergine di oliva;

6) Mettere in forno per circa 20 minuti a 180° e lasciarli gratinare per bene (senza farli asciugare troppo).

P.S. Scusate per la scarsa visibilità dei carciofi in questa foto, ma erano appetitosi...posso garantire!

Un atlante di emozioni

Ammetto che mesi fa quando avevo visto il trailer originale di Cloud Atlas ne ero rimasta incuriosita, ma allo stesso tempo ero alquanto scettica... ma ora che ho visto il film, mi sono del tutto ricreduta.

Tratto dall’omonimo romanzo di David Mitchell, il film racconta in un intreccio narrativo sbalorditivo sei storie diverse, creando dei collegamenti inaspettati tra tutte loro nel corso dei secoli dei secoli.

Passato, presente e futuro sono quasi inesplicabilmente collegati tra loro e le azioni di ogni singolo uomo come una piccola gentilezza o un grave sgarbo possono cambiare in maniera decisiva il destino degli altri. Il film non tenta di spiegare il significato della vita o della morte e per quanto mi riguarda non parla tanto meno di reincarnazione (anche se in qualche modo i personaggi sembrano mantenere dei ricordi delle vite trascorse), ma più semplicemente analizza la potenza dell’amore sotto ogni sua sfaccettatura. L’amore per i propri cari, l’amore “fulmineo” per uno sconosciuto, l’amore per un altro uomo o donna, l’amore per la musica e la scrittura come la più grande forma di libertà di espressione ma soprattutto l’amore e la sete di verità.

È un film molto lungo? Sì, dura quasi tre ore, ma scivolano via che è un piacere.

È una storia semplice da raccontare? No, ma per questo motivo va visto per assaporare in pieno la delicatezza delle storie di ciascun personaggio, senza tener conto dell’epoca in cui è narrata. Si inizia dai primi del 1800 con le avventure di Adam Ewing (Jim Sturgess) annotate in un diario, il quale sarà poi ritrovato da Robert Frobisher (Ben Whishaw), un compositore omosessuale degli anni Trenta. Si passa agli anni Settanta con la giornalista Luisa Re (Halle Berry), che indaga sulle irregolarità dietro un progetto di una grande multinazionale e si arriva poi ai giorni d’oggi con Timothy Cavendish (uno spettacolare Jim Broadbent), un piccolo editore alle prese con problemi di liquidità e un fratello “vendicativo”. Per poi finire con la storia di Sonmi-451 (Donna Bae), un clone di un futuro non molto lontano e quella di Zachry (Tom Hanks), che è voce narrante di tutto il film e vive in un mondo di un periodo lontano, tornato alle antiche origini (circa 100 anni dopo che la città di Neo Seoul è stata risucchiata sotto l’acqua).

È una storia tanto intrecciata? Sì, ma posso assicurarvi che è pura poesia per gli occhi vista la cura e la potenza delle immagini, supportate da una straordinaria colonna sonora.

I tre registi, Andy e Lana Wachowski (conosciuti per la trilogia cinematografica di Matrix) e Tom Tykwer (Lola corre e Profumo – Storia di un assassino), non si sono fatti mancare nulla e hanno messo a lavoro un ensemble di attori senza uguali (messi in ordine secondo il mio personalissimo metro di giudizio di bravura): Jim Broadbent, Ben Whishaw, Tom Hanks, Jim Sturgess, Halle Berry, Doona Bae, James D’Arcy, Hugo Weaving, Susan Sarandon, Hugh Grant e molti altri ancora.

P.s.: È stato divertente cercare durante tutto il film di capire quali fossero gli attori nascosti dietro i vari personaggi truccati con una grandissima maestria! Non ci sono ostacoli di razza o di sesso e solo per fare un esempio… è a dir poco magnifica Halle Berry nelle vesti di Jocasta, una donna bianca ebrea.

Merci, Jacques Audiard!

Ammetto che prima di questo film non conoscevo il regista francese Jacques Audiard, ma posso senza ombra di dubbio affermare che adoro il suo modo di usare la macchina da presa. Ogni inquadratura quasi sfiora gli attori, facendoti sentire il loro respiro e quei primi piani così intensi ti fanno credere di accarezzare i loro pensieri.

Ispirato all’omonima raccolta di racconti dello scrittore canadese Craig Davidson, Un sapore di ruggine e ossa è un film drammatico, potente e vibrante con una giusta dose di romanticismo, dove spesso non c’è neanche bisogno di parlare visto che la potenza delle immagini parla da sé (es.: le lotte clandestine a rallentatore o il linguaggio del corpo nelle scene di sesso).

Ali (Matthias Schoenaerts) si ritrova all’improvviso a doversi occupare del figlioletto di cinque anni, Sam (Armand Verdure), che non conosce affatto e che non sa come gestire, così decide di andare dalla sorella che abita ad Antibes, nel sud della Francia.

Fortunatamente lì riesce a trovare subito un lavoro come buttafuori in una discoteca, dove conoscerà Stéphanie (Marion Cotillard), una donna bella e algida, che ama essere guardata dagli uomini e sa bene come sedurli. Stephanie non sarà mai alla sua portata ma Ali decide comunque di lasciarle il suo numero di telefono.

All’improvviso un incidente stravolgerà l’equilibrio di ciascun personaggio e le loro vite non saranno più le stesse. Durante lo spettacolo di orche marine nel parco acquatico dove lavora, Stéphanie rimane vittima di un brutto infortunio e le verranno amputate entrambe le gambe e con loro anche la sua sicurezza e la sua bellezza. Non ha più voglia di vivere e tanto meno di pensare di poter esistere costretta su una sedia a rotelle.

Un giorno, però, lei decide di richiamare Ali e da quel momento le cose inizieranno a prendere una piega diversa. Lui sembra non dare peso al fatto che lei sia senza gambe, trasmettendola in qualche modo quella sicurezza che sembrava esser perduta per sempre dal giorno dell’incidente.

Sono entrambi due persone tormentate nello spirito e continuamente in lotta con se stesse e con chi gli sta accanto. Nel frattempo Ali accetta vari lavori pur di guadagnare qualche soldo in più e decide persino di battersi negli incontri clandestini di pugilato a mani nude. Un giorno Stéphanie lo accompagna e rimane particolarmente “eccitata” da quel mondo senza regole dove solo la forza animalesca dell’uomo ha la meglio.

È un film, infatti, che parla di corpi: da una parte quello tumefatto di Ali che usa per farsi strada in un mondo quasi primitivo e dall’altro quello amputato di Stéphanie, imbrigliato nella malinconia e nello scoraggiamento, ma piano piano lei saprà ritrovare un modo per sopravvivere proprio grazie all’amore, risollevando al tempo stesso il destino di Ali, che riuscirà a farcela nella vita sia come pugile che come padre.