Fuocoammare: la storia di Lampedusa

I fatti di cronaca continuano ogni giorno a raccontare la morte di centinaia di clandestini disperati che cercano di iniziare una nuova vita approdando in Italia sull’isola di Lampedusa. Nessuno fino ad ora aveva avuto il coraggio di raccontare attraversoil cinema il dolore che provano migliaia di uomini, donne e bambini stremati che, provenienti da paesi lontanissimi e senza più nulla, accettano mesti di essere visitati, controllati e schedati mentre sono tratti in salvo.
Vincitore dell’Orso d’oro all’ultimo festival internazionale del cinema di Berlino, Fuocoammare di Gianfranco Rosi ha commosso tutti per la delicatezza con cui il regista è stato capace di raccontare le tragedie dietro agli sbarchi dei clandestini a Lampedusa e allo stesso tempo di come scorre la vita degli isolani e dei sopravvissuti.
Lampedusa, infatti, viene raccontata su più livelli: gli stranieri, i lampedusani, Samuele e il dottore locale.
La Lampedusa dei migranti viene descritta dall’avvistamento in mare degli scafi, dove centinaia di persone ammassate rischiano di affondare e vengono tratte in salvo dai militari,dalle visite e la schedatura nei centri di accoglienza, in cui possono cominciare a sperare in un futuro migliore, fino al racconto struggente di alcuni uomini che parlano (anche cantando) di cosa hanno dovuto subire in quel lungo viaggio della speranza.
Ma la Lampedusa dei migranti è fatta anche di sofferenza e soprattutto di morte: il regista non risparmia allo spettatore nemmeno le scene più cruente dei morti per asfissia nelle stive e la sensibilità con cui si sofferma sugli sguardi vitrei di quegli immigrati disidrati o sugli occhi pieni di disperazione e gonfi di lacrime di donne o uomini che hanno appena perso un loro caro in mare lascia davvero spiazzati.
I silenzi e i pianti strazianti sono solo interrotti dai rumori di sottofondo delle voci dei militari, dei motori della motovedette della Guardia Costiera e delle onde del mare.
La Lampedusa degli isolani, invece, si presenta attraverso la quotidianità delle vite di anziani, pescatori e casalinghe che preparano il pranzo e richiedono di far passare le canzoni sulla radio locale, dedicandole ai propri famigliari in mare.
Ma la storia più avvincente è quella di Samuele, un simpatico ragazzino che ama stare in mezzo alla natura selvaggia, giocare con la sua fionda artigianale tirando sassi agli uccelli e ascoltare rapito i racconti del padre pescatore e della nonna durante le giornate di pioggia. Samuele ancora non ama quel mare e riesce a fatica ad abituarsi al suo ondeggiare.
Samuele non incontra mai gli immigrati, ma, a causa del suo occhio “pigro”, che sta lentamente rieducando con l’ausilio di una benda, viene visitato dal dottor Bartolo, unico medico e unico punto di incontro con l’altra faccia dell’isola.
È l’unico infatti a doversi occupare non solo di aiutare i malati più o meno gravi tratti in salvo ma anche di doverne costatare i decessi.
Il suo breve intervento è un pugno allo stomaco perché in pochi fotogrammi è capace di raccontare come la sua routine sia scandita dai bollettini della guardia costiera sull’arrivo incessante di barconi.
Rosi usa la macchina da presa con grande rispetto, in modo sapiente e mai scontato, regalando immagini bellissime senza filtri e intessendo una storia che dovrebbe far riflettere chiunque sul significato di parole come speranza e disperazione.

P.s.: Fuoccomare è il titolo di una canzone, passata alla radio durante il film, che racconta dei bombardamenti del 1943 a Lampedusa, di cui era andato perduto il testo ma non la musica che grazie al film è stata riportata alla vita.

Revenant – Redivivo: la voglia di vendetta secondo Iñárritu

Dopo aver stupito con Birdman, Alejandro González Iñárritu si conferma uno dei registi più talentuosi dell’epoca contemporanea grazie al suo ultimo sforzo cinematografico, Revenant – Redivivo (tratto dal libro di Michael Punke), lontano anni luce dal primo sia per scelta di contesto, contenuti che tecnica di ripresa ma altrettanto capace di sbalordire. Un film dalla forza bruta ma dalla potenza indescrivibile che può vantare la straordinaria veridicità anche nelle scene più crude (in particolare la sequenza iniziale durissima dell’attacco violento degli indiani, che rimarrà nella storia del cinema e l’impressionante scena di lotta fra il personaggio di Di Caprio e l’orso grizzly); la strabiliante fotografia di Emmanuel Lubezki, capace di utilizzare al meglio la luce naturale per catturare una natura selvaggia dalla bellezza senza tempo (co-protagonista affascinante e spietata a tutti gli effetti); il trucco e i costumi realizzati in modo quasi perfetto, ma, soprattutto, la bravura degli attori, che non si sono affatto risparmiati e sono stati capaci di mettere a nudo ogni emozione specialmente nell’uso sorprendente dei primi piani.

Va certo reso onore alla stratosferica grandezza recitativa dimostrata da Leonardo Di Caprio, capace di sconvolgere e coinvolgere lo spettatore anche nei momenti di assoluto silenzio: in questo film ha davvero dato tutto se stesso, corpo e anima.

Prima metà dell’800. Il terreno gelido e inospitale del Nord America è stato il triste scenario di numerose lotte degli ultimi indiani che hanno tentato di resistere all’attacco per mano dell’uomo bianco, intento a sfruttare quei territori ancora a lui sconosciuti.

Iñárritu, però, ha voluto raccontare questo triste capitolo della storia americana usandolo come sfondo delle grandi imprese del famoso Hugh Glass. I pochi superstiti di un gruppo di cacciatori di pelli, presi sotto assedio da una tribù di indiani Arikara, decidono di farsi guidare da Glass per ritornare al loro forte sfruttando la sua approfondita conoscenza di quelle montagne e di quei territori così impervi.

Sopravvissuto all’attacco di un orso, resta gravemente ferito e rischia quindi di compromettere il rientro di tutta la squadra. Il perfido compagno di spedizione Fitzgerarld (uno strabiliante Tom Hardy) finge di restare con Glass in attesa dei soccorsi, ma sarà solo la scusa per porre fine alle sue sofferenze e intascare la ricompensa per aver accettato di restare insieme a lui.

Deciso a voler tornare a casa a tutti i costi, Fitzgerarld tenta di soffocare Glass, che viene subito soccorso da Hawk, il figlio mezzo sangue, che viene subito ucciso. Lasciato a morire nel freddo, senza neanche una degna sepoltura, Glass lotterà con tutto se stesso e con quel poco di forze che gli sono rimaste per poter vendicare la morte del figlio.

Revenant, che ricorda per molti versi lo stile del grande regista Terrence Malick, risultando lento in diversi punti (specialmente nei momenti in cui il protagonista ha diverse visioni, alquanto ridondanti e dannose per il ritmo del racconto) e con i dialoghi/monologhi davvero essenziali, è una vera e propria opera d’arte visiva che colpisce al cuore e alla pancia.

La perdita di "Mia madre"

Non sono mai stata una grande fan di Nanni Moretti, ma negli ultimi anni ho rivalutato le sue opere e Mia madre è davvero un gran bel film, capace di far sorridere e commuovere con la stessa intensità.
Con grande naturalezza e sincerità il racconto è capace di evidenziare un dolore molto personale e intimo, che si legge fin da subito negli occhi dei protagonisti.
Margherita (Buy) è una regista, oberata di lavoro sul complicato set del suo ultimo film politico, incentrato sulle difficoltà di un gruppo di operai in odore di licenziamento, in cui il protagonista (John Turturro regala un sacco di risate) principale è un eccentrico attore americano dall’improbabile pronuncia italiana, che ha difficoltà persino a memorizzare le battute e i nomi della crew sulla scena. Nel frattempo, però, la madre di Margherita (una composta Giulia Lazzarini) è stata ricoverata in gravi condizioni in ospedale e viene continuamente assistita da Giovanni (Moretti), figlio amorevole e fratello ragionevole, che riesce a dire e fare sempre la cosa giusta.

Offuscata dal dolore di una perdita sempre più imminente, Margherita è stanca, non è concentrata sul set e capisce di non riuscire a trovare la giusta chiave di lettura per il suo film, così torna alla realtà solitaria e infelice in cui è costretta a guardare in faccia una madre che lentamente si sta spegnendo, ma che ancora è determinata come ex-insegnante di latino a dare le ultime ripetizioni a sua nipote, che odia il liceo classico.
Mia madre parla anche della finzione del cinema, presentando un film nel film che non sembra mai ingranare davvero, perché non riesce a ricreare le sensazioni di quella realtà semplice e allo stesso tempo troppo difficile da riportare sul grande schermo.
Moretti ha messo a nudo con grande sobrietà il dolore della perdita di sua madre ed è ragguardevole che abbia ceduto il suo alter-ego nelle mani esperte di Margherita Buy e si sia nascosto dietro la maschera confortevole del bravo fratello, capace di affrontare con misura e compostezza la malattia della mamma morente.

 

Il gioco dell'imitazione

Dopo un'incredibile attesa ho finalmente visto The Imitation Game del semi-sconosciuto regista norvegese Morten Tyldum, che vede tra i protagonisti principali Benedict Cumberbatch, Keira Knightley, Matthew Goode e Mark Strong... ma non ne sono rimasta particolarmente colpita!

Dopo lunghi anni di silenzio da parte del regno britannico è arrivata sul grande schermo la storia di Alan Turing, precursore e padre dell’informatica nonché una delle menti matematiche più brillanti di inizio '900, che con il suo genio cambiò per sempre il corso della storia. Durante la Seconda Guerra Mondiale, infatti, fu affidato a lui e a un ristretto gruppo di linguisti e decrittatori il delicato compito di decodificare Enigma, il codice usato dai tedeschi per comunicare in segreto le proprie azioni militari. Volutamente cancellato dalla storia per via delle sue tendenze omosessuali, solo di recente sono stati resi noti i dettagli di come con il suo lavoro diede un apporto decisivo alla vittoria delle forze alleate contro Hitler, anticipando la fine della guerra e salvando milioni di vite. Morì suicida a soli 41 anni dopo esser stato processato e condannato a subire la castrazione chimica per la sua diversità.
La pellicola tenta di tracciare i momenti più significativi della vita di un eccentrico e visionario matematico dal carattere introverso, capace di decifrare i codici più difficili al mondo ma inadeguato nel comprendere i comportamenti più semplici delle persone al suo fianco.
Tratto dal libro “Alan Turing. Storia di un enigma” di Andrew Hodges, The Imitation Game non è un film così incisivo, ma può certamente vantare la partecipazione di bravissimi attori (anche se gli unici a brillare sono Cumberbatch e Strong) e di ottime ambientazioni scenografiche.

Sullo sfondo, invece, il film si concentra sull’intreccio di segreti che comportava lavorare per una missione segreta a quei tempi ma anche i segreti di natura personale legati all’essere diversi per la società inglese perbenista degli anni ’50 che riconosceva l’amare una persona del proprio sesso un delitto.
Peccato davvero per la poca brillantezza stilistica con cui si è deciso di affrontare questa storia. Nullo è valso scegliere di frammentare il racconto su tre livelli con continui flashback e flashforward, che ripercorrono la vita di Turing da adolescente, da adulto e negli ultimi anni della sua vita. Si esce incompleti nonostante la potenza della storia della genialità di un uomo, tenuta nascosta al mondo solo per ipocrisia.

P.s.: il titolo del post di oggi è volutamente "provocatorio"... per una volta ho tradotto io il titolo di un film straniero, che i distributori internazionali hanno avuto la brillante e felice idea di mantenere in originale!

La focaccia per John Coffey

Il miglio verde (titolo originale The Green Mile, 1999) del regista Frank Darabont è ispirato all'omonimo libro di Stephen King.

Dopo molti anni Paul Edgecomb (Tom Hanks), una guardia carceraria in pensione, racconta a una sua amica della casa di riposo la storia di quanto accadde intorno agli anni ’30 nell’ala del braccio della morte (ovvero il miglio verde del titolo) del penitenziario di Cold Mountain.
Il suo racconto ruota attorno alla figura di John Coffey (lo scomparso Michael Clarke Duncan), un grande uomo nero, analfabeta e dal cuore tenero, condannato a morte (ingiustamente) per lo stupro e l'omicidio di due bambine. Nonostante la sua enorme stazza fisica, l’uomo rivela un carattere davvero semplice e bonario, che finisce per conquistare l’affetto di tutte le guardie nel Miglio verde con la sua paura del buio… ma soprattutto con i suoi “poteri”.
Non voglio svelare di più del film, perché è davvero bello anche se un po’ lungo, ma sicuramente con un cast ricco di bravissimi attori come Sam Rockwell, David Morse, Barry Pepper, Patricia Clarkson, Michael Jeter e James Cromwell.
Dico solo che grazie all’aiuto del detenuto John il povero Paul, affetto da una brutta infezione alle vie urinarie, riesce di nuovo a fare pipì senza problemi ma soprattutto a fare l'amore con sua moglie Jan (Bonnie Hunt), che, in segno di ringraziamento, gli prepara una soffice “focaccia”. La traduzione italiana è leggermente fuorviante, perché in realtà si tratta di cornbread.
Il cornbread è una delle tante specialità della cucina americana: non è altro che un semplice e friabilissimo pane di mais, che è ottimo sia da solo che accompagnato a salse o altro. Assolutamente da assaggiare!

Ingredienti: 150 grammi di farina 00, 200 grammi di farina di mais, 1 bustina di lievito secco, 1 cucchiaino di bicarbonato, 1 cucchiaino di sale, 3 cucchiai di zucchero, 200 ml d latte parzialmente scremato, 3 uova e 80 grammi di burro

Procedimento:
1) Mescolare tutti gli ingredienti secchi in una ciotola capiente;
2) A parte battere velocemente le uova con il latte e il burro fuso e aggiungere tutto al resto del composto;
3) Dopo aver ottenuto un composto compatto e liscio, versarlo su una teglia rettangolare (leggermente unta oppure ricoperta di carta forno) e lasciar cuocere nel forno preriscaldato per circa 30 minuti a 180°;
4) Sfornare il pane quando risulterà ben dorato e avrà formato una leggera crosticina in superficie;
5) Lasciar intiepidire (altrimenti si sbriciolerà, appena lo si taglia) e servire a cubotti.

P.s.: questo tipo di pane si mantiene benissimo per un paio di giorni se avvolto con uno strofinaccio o conservato dentro un sacchetto di carta.

Quale futuro per i nostri ragazzi?

Presentato nella sezione "Giornate degli autori" della 71° Mostra del cinema di Venezia, I nostri ragazzi, l’ultimo film del regista Ivano De Matteo (già conosciuto con Gli equilibristi), lascia davvero l’amaro in bocca.

Una storia molto dura e intensa che coinvolge nel profondo due fratelli e le loro rispettive famiglie.

Ispirato al libro di Herman Koch, "La cena", la trama riguarda principalmente il conflitto tra cuore e ragione. Due fratelli, due uomini di successo appartenenti alla borghesia della Roma che conta: Massimo fa l’avvocato penalista (Alessandro Gassmann), un po’ sbruffone, che si trova a difendere anche chi innocente non lo è, mentre Paolo è un chirurgo pediatrico (Luigi Lo Cascio), serio e scherzoso allo stesso tempo, che crede nei sani principi e fa di tutto per salvare i suoi piccoli pazienti e rincuorare le loro mamme apprensive.

La loro diversità di vedute viene a galla ogni volta che iniziano a discutere su qualsiasi cosa come durante la cena di rito al solito ristorante una volta al mese, dove anche le loro mogli, Sofia e Clara (una Barbora Bobulova molto distaccata e Giovanna Mezzogiorno, a tratti un po’ forzata) sono costrette a malincuore a sopportarsi.

Eppure accadrà qualcosa che sconvolgerà gli ideali di entrambi. I rispettivi figli adolescenti, infatti, si ritrovano invischiati in un grosso guaio, che tentano di nascondere fino alla fine, perché convinti di poterla fare franca. Benedetta (Rosabell LaurentiSellers), la figlia del primo matrimonio di Massimo (Gassman), è una ragazza alla moda, popolare e molto sicura di sé, mentre Michele (Jacopo Olmo Antinori, già visto e apprezzato in Io e te di Bertolucci) è un ragazzo tormentato e molto introverso. I due sono cresciuti insieme e agli occhi dei loro genitori sono sempre stati dei bravi ragazzi, studiosi e dediti al divertimento vista la loro età, eppure si rivelano due esseri completamente diversi, poveri di sentimenti, violenti e immoralmente razzisti.

Non hanno commesso una banale bravata: hanno picchiato e lasciato in fin di vita una povera barbona, senza accorgersi di esser stati ripresi da una telecamera di sorveglianza esterna. Fortunatamente non sono stati riconosciuti viste le immagini sgranate e poco chiare diffuse tramite il noto programma “Chi l’ha visto”, ma i loro genitori hanno subito capito che si tratta di loro. Cosa fare adesso? Inventare un alibi di ferro che possa scagionarli da un eventuale accusa o denunciarli come giusto alla polizia?

Le due coppie di genitori sono consapevoli che una denuncia potrebbe porre fine al futuro e alla felicità dei propri ragazzi, ma è giusto andare contro la propria morale? La paura di mandarli in carcere fa scattare dei meccanismi alquanto diversi nelle menti dei due fratelli, che vedono mettere in discussione i ruoli di buono e cattivo, cucitigli addosso sin dall’inizio del film.

La tensione sale piano piano fino a tramutare in una vera e propria raffinata tragedia, che, con un finale al cardiopalma, non scioglie ogni dubbio allo spettatore, ma rivela quanto sia difficile fare la cosa giusta quando c’è di mezzo la vita o il futuro di chi si vuol bene.

Seguite le mollichine...

Forse non l'avreste mai pensato ma il film Spy Game (2001) del compianto Tony Scott con Brad Pitt, Catherine McCormack e Robert Redford è uno tra i miei preferiti.

Nathan Muir (Redford) è un agente della CIA arrivato all'ultimo giorno dalla pensione che si ritrova a fare i conti con il passato e in particolare con l’imminente uccisione di Tom Bishop (Pitt), soprannominato il boyscout, una recluta da lui addestrata ai tempi della guerra in Vietnam e con cui ha continuato a collaborare per diverse operazioni nella Germania dell’Est e in Libano.
Visti i caldi rapporti con la Cina i piani alti dell’Agenzia tentano di venire a conoscenza del motivo che abbia portato Bishop a farsi catturare mentre evadeva da una prigione cinese con l’intento di trarre in salvo con sé una donna occidentale avvolta nell’assoluto mistero (che pian piano con diversi flash back si scoprirà essere stata la sua donna diversi anni prima e rinchiusa lì dentro ingiustamente per colpa dello stesso Muir, il quale aveva sottovalutato i sentimenti di entrambi).
Anche se molti dettagli legati all’unità di crisi creata intorno al caso Bishop vengono taciuti a Muir, egli cerca in ogni modo di scovare ogni minima notizia per essere sempre un passo avanti a loro. 
Rinunciando ai risparmi di una vita che sarebbero stati destinati all’acquisto di una casa in una remota isola del Pacifico, tenterà di architettare un’azione di evasione fuori dagli schemi in modo da trarre in salvo sia il boyscout che la sua Elizabeth (McCormack).
Un ottimo film d’azione con un ritmo serrato e ben congeniato, adatto anche per tutti coloro che non sono dei grandi amanti del genere.
Durante l’incontro a Beirut per un’operazione che prevedeva l’uccisione di un famoso sceicco, Bishop invita il suo mentore a mangiare un boccone dall’altra parte della città… peccato che per arrivarci significhi anche rischiare la pelle a causa di conflitti a fuoco e bombe. Lo stesso Bishop si vanta di aver insegnato al ristorante dove si trovano a pranzare di fare le migliori migas che potesse aver mai mangiato e Redford ribatte, meravigliandosi di poter mangiare proprio in Libano un piatto della cucina messicana. In realtà (non so se per un errore di traduzione o doppiaggio) questa ricetta appartiene alla cucina spagnola: las migas (che significa letteralmente molliche), infatti, sono un piatto tipico della Spagna, che consiste in molliche di pane soffritte con ingredienti che variano di regione in regione.
Considerato un piatto povero perché preparato con gli avanzi del pane, in realtà è un pasto completo e ricco di sostanze nutrienti.
Non male per niente!

Ingredienti (per 1 porzione): 3 fette di pane raffermo, acqua, 1 spicchio d’aglio (piccolo), 50 g pancetta affumicata, 1 uovo, 6 pomodorini, sale, pepe e olio extravergine di oliva

Procedimento:
1) Tagliare il pane raffermo (o al limite anche del pan carré) a cubetti molto piccoli e bagnarlo leggermente con un po’ d’acqua, in modo da farlo ammorbidire leggermente;
2) Nel frattempo far soffriggere l’aglio in una padella con un filo d’olio;
3) Togliere l’aglio e far cuocere la pancetta, dopodiché aggiungere i pomodorini;
4) Non appena la pancetta e i pomodorini avranno rilasciato i loro succhi, toglierli dalla padella e metterli da parte;
5) Utilizzando i grassi rilasciati dalla pancetta, aggiungere il pane a cubetti e mescolare in continuazione, finché non risulti leggermente croccante;
6) Aggiustare di sale e di pepe e, dopo aver aggiunto la pancetta e i pomodorini messi da parte, presentare nel piatto in accompagnamento a un uovo fritto.

P.s.: Esistono diverse versione di migas, dove al posto della pancetta si consiglia di aggiungere il chorizo (un tipico salume dall’impasto molle e dal sapore dolce e affumicato) oppure del prosciutto e invece dei pomodorini dei peperoni… lascio a voi la scelta!

Dallas Buyers Club: semplicemente da vedere!

Il film Dallas Buyers Club è tratto da una storia vera ed è stato magistralmente diretto da Jean-Marc Vallée (noto per C.R.A.Z.Y e The Young Victoria) e interpretato in modo memorabile da Matthew McConaughey, Jared Leto e Jennifer Garner.

Texas (1986) – i dottori diagnosticano a Ron Woodroof (McConaughey) di essere affetto dall'HIV e gli pronosticano solo 30 giorni di vita. Egli, però, decide di non arrendersi tanto facilmente e di cercare un rimedio, che lo porterà a sopravvivere fino al 1992.
Un uomo omofobo, volgare, alcolizzato e tossicodipendente, che, grazie alla malattia, riesce a cambiare rotta nella sua vita. Costretto a rivalutare ogni sua valore e credo, perché da quando tutti pensano che anche lui sia un omosessuale (visto che all'epoca l'HIV era considerata esclusivamente la malattia dei gay), inizia a vedere tutto con occhi diversi.
Ron non si arrende al calvario che lo aspetta e inizia a studiare, perché vuole ricorrere ai ripari e cercare una cura qualsiasi per sfuggire alla morte. Non potendo testare per certo un nuovo farmaco contro i sintomi della malattia, l'AZT, decide di provarlo lo stesso, rubandolo tramite un infermiere in ospedale. Una volta, però, che non riuscirà più ad accedere al medicinale, decide di avvalersi dell'aiuto di un medico in Messico, il quale gli comunica la forte dannosità del farmaco testato sul suo organismo, cominciandolo invece a curare con vitamine e una proteina (peptide T), che sembrano fare il loro effetto. Ecco allora che gli balena in testa l'idea di voler importare e rivendere questi farmaci di contrabbando a quanti ne hanno bisogno, in modo da poter inizialmente lucrare sui malati come lui ma poi donare anche a loro qualche speranza ovvero qualche mese di vita in più. Fonda così il Dallas Buyers Club con il sostegno di un transessuale drogato, Rayon (un Jared Leto strabiliante, tornato a recitare per il grande schermo dopo diversi anni, dedicati per lo più alla sua musica con il gruppo 30 seconds to Mars).
Ron, quindi, si trasforma in paladino di una causa in cui nessun altro voleva credere per paura di contrarre una malattia ancora sconosciuta e che fa scoppiare una tormentata lotta contro l'FDA (Food and Drug Administration), garantista degli interessi delle grandi case farmaceutiche, poiché i suoi farmaci si riveleranno più efficaci di quelli autorizzati per i trial di sperimentazione.
La sua morte non sarà vana, perchè la sua dura lotta contro la malattia e contro le potenti case farmaceutiche ha dato la possibilità di far riconoscere davanti alla legge il diritto di ogni malato di poter tentare trattamenti ancora non riconosciuti.
Strabilia il fatto di come McConaughey sia riuscito a scrollarsi di dosso i soliti ruoli da sex-symbol in filmoni acchiappa-pubblico al botteghino e abbia saputo finalmente dimostrare di essere un attore molto sopra la media. Da sempre sottovalutato per il suo bell'aspetto, è riuscito a imbruttirsi, dimagrendo molti chili e a regalare un'interpretazione indimenticabile e toccante, che gli ha già garantito numerosi riconoscimenti a livello internazionale.
Il film gira quasi completamente intorno al protagonista e forse una maggiore esaltazione avrebbe meritato il personaggio del transessuale di Jared Leto (che ricorda molto i tratti del protagonista di Breakfast on Pluto), il quale regala dei momenti davvero intensi e ironici.
Un film ottimo sotto ogni punto di vista, che ti prende allo stomaco, commuove e garantisce delle interpretazioni da urlo, ma che fa anche riflettere su un problema purtroppo ancora attuale e che, anche se in qualche modo potrebbe sembrar voler strizzare l'occhiolino verso il pubblico, vuol semplicemente raccontare la storia di un uomo comune e dai tratti detestabili, che ha saputo redimersi, scoprendo il suo lato buono dormiente.

Il vento che ti porta via...

Come il vento è un film del regista e documentarista Marco Simon Puccioni, che è stato presentato all’ultimo festival del cinema di Roma e narra la storia vera di Armida Miserere, una donna dura e imperturbabile che nel corso della sua viuta fu a capo di moltissimi dei penitenziari più duri e difficili in Italia, guadagnandosi il soprannome di "la femmina bestia".
Armida (la splendida Valeria Golino, a dir poco magistrale quando è incorniciata in degli strettissimi primi piani) è una donna in apparenza insensibile e dal cuore duro che gestisce da anni un carcere milanese. Anche se la sua vita di tutti i giorni è scandita dagli orari dietro le sbarre, può condividere i malesseri legati al suo duro lavoro con il marito Umberto Mormile (Filippo Timi), il quale è un educatore nello stesso penitenziario.
Vogliono e tentano di vivere una vita normale al di fuori delle mura carcerarie. Sognano un futuro diverso e persino un figlio… ma il destino li castiga e segna la fine improvvisa del loro amore.
Un giorno del 1989 Umberto, affiancato al semaforo, viene assassinato a sangue freddo da due banditi in moto.
Ostinata a trovare i colpevoli dell’omicidio di suo marito, rimugina ogni possibile sgarro commesso nei confronti dei detenuti a cui non si è piegata, ma gli anni passano e la magistratura non sembra essere riuscita a scovare nulla. Armida, allora, sente il bisogno di dover cambiare aria e decide di andare a dirigere il carcere dell’isola di Pianosa (ovvero l’Alcatraz italiana in Toscana), dove si trovano moltissimi dei più influenti boss mafiosi e attendenti di ben note organizzazioni terroristiche.
Ancora una volta Armida viene posta di fronte a un’altra sfida e viene scelta per la direzione dell’Ucciardone a Palermo negli anni caldi dei delitti di mafia e in seguito anche del carcere di Sulmona.
Solo parecchi anni più tardi dall’uccisione di suo marito, Armida scoprirà finalmente la verità: Umberto fu ammazzato a sangue freddo per non essersi lasciato corrompere da un boss della ‘ndrangheta, ma durante il processo i pentiti ascoltati in merito non fanno che gettare fango sul nome del suo uomo e questo diventa insopportabile per lei.
Nel 2003, il giorno del venerdì Santo, Armida Miserere si suicida, sparandosi un colpo di pistola alla testa, sperando almeno che con quel suo “atto di coraggio” riesca a ricongiungersi al suo amato Umberto.
Sono anni che si sente vuota e non riesce più ad amare: la stessa parola amore è vuota di significato. Non le bastano più solo il successo professionale, il rispetto dei suoi uomini, l’amore dei suoi amici e dei suoi fedelissimi cani, la vita non ha più senso per lei. Forse sarebbe stato diverso se avesse avuto un figlio?
Il film non cerca tanto di dare delle risposte su come mai ancora oggi non si siano riuscite a chiarire le cause e i veri mandanti dell’omicidio di Mormile, ma vuole offrire piuttosto il ritratto della vita di una donna forte ma tanto fragile al tempo stesso, che tutti conoscevano per la sua imperturbabilità nel lavoro, ma che nessuno aveva mai osato immaginare sul piano intimo e personale. Questo film, invece, analizza, ciò che pian piano ha inaridito a tal punto il cuore di Armida, che, non essendo riuscita a rialzarsi dopo che la vita le ha strappato via il marito in modo così efferato, è portata a compiere un gesto così estremo. Un film dai toni grigi smorzati solo dal colore del mare, dove le inquadrature asciutte e tanto ravvicinate da voler scrutare a fondo i pensieri dei personaggi sono capaci di creare la giusta suspense fino al finale pieno di commozione, trasportato dalle parole di addio della stessa Armida.
Nel cast del film figurano anche altri attori del calibro di Francesco Scianna, Chiara Caselli, Marcello Mazzarella, Salvio Simeoli, Giorgia Sinicorni, Vanni Bramati ed Enrico Silvestrin.

P.s.: Il film è stato girato in parte anche all'interno del carcere di Montacuto di Ancona.

Quant'è amaro questo Miele?

Miele è l'opera prima dell'attrice Valerio Golino, approdata al di là della macchina da presa con una storia difficile su un tema delicato quale il suicidio assistito. Ignara delle piccole o grandi sfumature che contraddistinguono tale pratica dall'eutanasia, sono andata a spulciare qua e là delle informazioni. Ho scoperto, anche grazie al film, che si parla di suicidio assistito quando si tratta di aiutare un malato che ha scelto di morire tramite suicidio; l'atto finale di togliersi la vita, però, è compiuto interamente dal soggetto, il quale si somministra da solo i medicinali necessari, in modo così da non lasciare tracce e coinvolgere terze persone.

Miele è anche il nome in codice usato da Irene (una superlativa e bellissima nel suo genere Jamine Trinca), una giovane ragazza che da quasi tre anni si dedica ad aiutare clandestinamente i malati terminali a morire. Lei ci crede molto in quel che fa e lo considera un lavoro a tutti gli effetti (viene pagata sottobanco e profumatamente). Peccato che arriverà l'ingegnere Carlo Grimaldi (un magistrale Carlo Cecchi) a scombinare il suo mondo in precario equilibrio. Un anziano signore che, depresso, ha bisogno di qualcosa per farla finita senza troppi clamori. A causa di domande non fatte, Miele dà per scontato che lui sia molto malato come tutti gli altri che ha già aiutato in precedenza, ma, non appena scoprirà il contrario, tra i due nasceranno diversi scontri verbali.
Lei gli rinfaccia di non essere un sicario, ma che aiuta a morire solo chi è veramente malato. E lui non lo è? Affranto o più che altro annoiato dalla vita che è costretto a vivere nella sua profonda solitudine e circondato da persone inette e facenti parte di una società squallida e vuota. Miele vorrebbe salvarlo, perché in fondo lei rincorre la vita e la speranza che le persone ritornino sui loro passi e decidano di non uccidersi.

L'importanza della musica in questo film è fondamentale non solo per il significato che racchiudono le singole canzoni ma anche di come queste siano la colonna sonora d'accompagnamento nell'ultimo viaggio dei malati. La fotografia e le scelte registiche sono un connubio perfetto che accompagnano dolcemente l'occhio dello spettatore per tutta la durata della pellicola.

Notevoli le presenze degli altri due uomini nella vita di Miele ovvero gli affascinanti Libero De Rienzo e Vinicio Marchioni.

Il film è liberamente ispirato al romanzo "A nome tuo" di Mauro Covacich e come tale non si propone, come dichiarato dalla stessa regista Golino, nelle vesti di manifesto a favore del suicidio assistito. In realtà è molto più semplicemente un film sul significato della dignità umana e sull'amore, tanto delicato quanto struggente dal finale poetico strepitosamente azzeccato.

P.s.: Miele è stato presentato nella sezione Un Certain Regard della 66a edizione del Festival di Cannes e si è aggiudicato la menzione speciale della Giuria Ecumenica a pari merito con Tale padre tale figlio del regista giapponese Kore-Eda Hirokazu. Ogni anno questa giuria assegna tale premio per i valori umani e spirituali dimostrati dai film in concorso.